Komödie

„Thumbsucker“ von Mike Mills ist eine originelle Coming-of-Age-Geschichte, basierend auf dem gleichnamigen Roman von Walter Kirn. Schon dieses Erstlingswerk zeigt das Faible und das Talent des Regisseurs für den ganz alltäglichen familiären und außerfamiliären Beziehungswirrwarr. Dabei geht Mike Mills konzentriert, ohne Schnickschnack und lakonisch vor. Sehr schön. Für einen ehemaligen Grafikdesigner, Werbefilmer und Musikclip-Regisseur schon bemerkenswert. 

Die Geschichte

Held ist der 17-jährige Justin, der zusammen mit Eltern und kleinerem Bruder in einer Vorstadtsiedlung lebt. Irgend etwas scheint mit Justin nicht zu stimmen, denn er nuckelt immer noch am Daumen. Abhilfe soll ausgerechnet der esoterisch angehauchte Zahnarzt (Keanu Reeves) schaffen. Aber auch dessen Hypnose ändert wenig an Justins Selbstzweifeln, die zudem von der Abweisung seines Schwarms Rebecca neue Nahrung erhalten. Eine scheinbare Änderung bringt die eilig bemühte ADHS-Diagnose mit den verordneten Psychopharmaka. Justin wirkt irgendwie beflügelt, kann sogar im Debattierclub glänzen, bis er mit seiner vermeintlichen Wesensänderung konfrontiert wird. Die Medikamente landen im Mülleimer. Der Junge scheint, bei sich angekommen zu sein, was auch seine Annäherung an Rebecca belegt. Aber für das Mädchen ist er nur ein Versuchskaninchen, Mama Audrey (Tilda Swinton) hat wohl eine Affäre mit Fernsehstar Matt Schramm und sein Bruder ist ein kleiner Advocatus Diaboli. Ist noch ein weiter Weg bis Justin am Ende zu neuen Ufern aufbrechen kann und sein Zahnarzt diagnostiziert: „An dir war nie etwas merkwürdig“.

Stärken

Sehr schön sind die teilweise eingebauten Ellipsen, zum Beispiel als Justin mit seinem Bruder den Zahnarzt beim Radrennen von der Strecke abbringt. Bei den pinkfarbenen Zwischentiteln und Animationen macht Mike Mills seine berufliche Vorgeschichte transparent. Sehr schön sind auch Justins eingestreute Tagträume, zum Beispiel als Rebecca ihn hingebungsvoll küsst. Diese Visionen bringen uns ganz nah an den Helden und seine Befindlichkeiten. Die Figur des kleinen Bruders ist ein dramaturgisch geschickter Schachzug. Sein Aufgabe ist es, Justin das Leben möglichst schwer zu machen: „Normalerweise vögelt man in deinem Alter.“ Überhaupt ist die Besetzung hervorragend. Mama Audrey (Tilda Swinton) agiert brillant. Den Debattierclub der Highschool und seinen angedockten Wettbewerben sollte sich das hiesige Bildungssystem zum Vorbild nehmen.

Schwächen

Die Figur des Zahnarztes wirkt ein bisschen künstlich. Schwer zu glauben, dass die Zähne eines 17-Jährigen korrigiert werden müssen, nur weil er am Daumen nuckelt. Den Zahnarzt hätte man einfach durch einen Therapeuten ersetzen können. Mike Mills Defizite liegen im dramaturgischen Bereich. Ist alles ganz originell, auch lakonisch und gut beobachtet, aber nie sonderlich dramatisch. Genau das ist auch das Problem in seiner späteren Tragikomödie „Beginners“. Die Trennung von Rebecca („Wer hat gesagt, dass wir zusammen sind?“) hätte er natürlich eskalieren müssen. In „Thumbsucker“ verpufft sie genauso wie die vermeintliche Affäre seiner Mutter. 

Lösungen

Wie könnte man innerhalb der Spielanordnung dieses Manko beheben? Was wäre(n) denn die schlimmstmögliche(n) Wendung(en)? Darum geht’s ja. Wie wär’s denn gewesen, wenn Justin Rebecca von der vermeintlichen Affäre seiner Mutter erzählt hätte? Das Mädchen hat ja kurz vorher noch postuliert, dass man sich in einer Beziehung immer die Wahrheit sagen sollte. Also hält Justin sich einfach daran. Rebecca entpuppt sich aber als kleine Tratschtante, die das Gerücht überall verbreitet. So etwas hört man ja gern und erzählt es auch gern weiter. Dann hätte es richtig geknallt, gerade in den puritanischen Staaten. Desgleichen hätte man die Medikamente, anstatt sie zu entsorgen, auch verticken oder in Mengen schlucken können. Auch das hätte zusätzliche Probleme generiert.

Fazit

Insgesamt ist Mike Mills mit „Thumbsucker“ eine sehenswerte Coming-of-Age-Komödie gelungen, die ein hoffnungsvolles Ende hat.

„Eine zauberhafte Nanny“ ist eine märchenhafte, teilweise rabenschwarze Familienkomödie und behandelt ein ganz bodenständiges Thema: Ein alleinerziehendes Elternteil ist mit der Erziehung der (hier: sieben) Kinder hoffnungslos überfordert. Mit diesem irdischen Problem können wohl alle Eltern etwas anfangen. Aber das war’s dann auch mit den Vorzügen dieser Mary-Poppins-Variante.

Die Geschichte

Cedric Brown (Colin Firth) arbeitet als alleinerziehender Bestatter und versucht seine renitenten Kinder durchzubringen. Die haben allerdings einen hohen Verschleiß an Kindermädchen. Ganze 17 haben sie schon in die Flucht geschlagen. Aber Nr. 18 ist Nanny McPhee (Emma Thompson), ein „Kindermädchen von der Regierung“, die ihnen – und auch ihrem Vater – nach und nach – fünf Lektionen erteilt. Die geplante Hochzeit mit der schrillen Mrs. Quickly können die Kinder sabotieren, so dass einem Happy End mit dem Dienstmädchen Evangeline (Kelly MacDonald) nichts mehr im Wege steht.  

Stärken

Am stärksten ist der Film in seinen schwarzhumorigen, unkorrekten Momenten. Wenn die Kinder zum Beispiel beim Spielen mit einer selbst gebastelten Guillotine ihre Puppen köpfen oder sich vermeintlich als Kannibalen erweisen. Man versteht ihre Gefühle und ist bei den Sabotageakten auf ihrer Seite, vor allem bei denen gegen die auserwählte Stiefmutter. Einige Slapstickeinlagen sind wirklich witzig, zum Beispiel wenn der kurzsichtigen Tante Adelaide, anstatt Schwesterchen Christianna, ein verkleidetes Schaf untergejubelt werden soll. Auch die Dialoge der Kinder untereinander haben es teilweise in sich. Sie sind eben nicht auf den Kopf gefallen. 

Erzählmotiv

Dramaturgisch vorteilhaft ist auch die Etablierung einer Variante des Erzählmotivs „Erbe mit Bedingungen“, hier: Unterhalt mit Bedingungen. Die wohlhabende Tante Adelaide verknüpft nämlich weitere Alimentezahlungen an eine Neuvermählung von Neffe Cedric. Damit haben die Protagonisten ein existenzielles Problem und das ist spannungstechnisch gut.

Vorhersehbarkeit

Jeder Zuschauer hat aber hunderte oder tausende Filme gesehen und Handlungsabläufe abgespeichert, die bei der Beurteilung von vergleichbaren Situationen herangezogen werden. Es findet gewissermaßen ein Abgleich statt. Der Zuschauer hat also eine Erwartungshaltung. Wenn sich diese dann ein ums andere Mal bestätigt, wird’s – genau – langweilig. Leider ist in „Eine zauberhafte Nanny“ einiges vorhersehbar. Bei ihrem ersten Auftritt geht Dienstmädchen Evangeline liebe- und verständnisvoll mit den Kindern um. Da ahnt man schon: Das wird die neue Mutti, was ja dann am Ende auch eintritt. Eine Entwicklung, eine Veränderung wird ihr leider nicht gegönnt. An anderer Stelle postuliert Nanny McPhee: „Wenn Ihr mich wollt, aber nicht mehr braucht, werde ich gehen“. Da weiß man dann auch, dass sie am Ende nicht mehr gebraucht und gehen wird usw. Es mangelt also an Überraschungen und Wendungen.

Weitere Schwächen

Ein großer Fehler ist es, das Damoklesschwert der Armut nicht durchzuspielen. Die bloße Beschreibung des finanziellen Ruins und seiner Folgen ist für die Kinder zu abstrakt. Das hätte man durchexerzieren müssen. Erst in der Not hätten sie eine glaubhafte Chance zur Einsicht gehabt. Die von Cedric auserwählt Braut, Mrs. Quickly, agiert im Stile einer Karikatur. Sie ist zu schrill und überzogen, um eine wirkliche Gefahr zu sein. Eine attraktive, hinterhältige und intelligente Aspirantin wäre besser gewesen. All diese Schwächen hätte man in der Stoffentwicklung beheben können. Aber Drehbuchautorin Emma Thompson hat schon in „Sinn und Sinnlichkeit“ von Ang Lee gezeigt, dass sie nicht das Metier wechseln sollte.

Lösungen

Evangeline sollte besser ein großmäuliges, rotzfreches kleines Scheusal sein, dass sich von den Kindern nichts gefallen lässt. Sie dürfte auch nicht als Chrissie-Ersatz mit Tante Adelaide verschwinden. Dann ist sie ja aus dem Spiel, was aber kontraproduktiv ist. Denn wir wollen ja bei den Interaktionen mit Cedric und den Kindern ihre Entwicklung mitverfolgen, um am Ende das Gefühl zu haben, dass sie – entgegen dem ersten Eindruck – tatsächlich eine geeignete neue Mummy sein könnte. Hier wäre auch ein Deal zwischen den Kindern und Evangeline schön gewesen: Die Kleinen bringen ihr Lesen und Schreiben bei, im Gegenzug verspricht das Dienstmädchen Läuterung. Die Deadline – Heirat bis Ende des Monats – wäre noch dramatischer, wenn sie nicht eingehalten wird. Eine Reduktion der Fantasyelemente (Zauberei) hätte die Spannung gesteigert. Denn wenn alles möglich ist, macht man sich auch keine Sorgen mehr um die Protagonisten. 

Fazit

„Eine zauberhafte Nanny“ hat das selbe Schicksal ereilt, wie die Mary-Poppins-Verfilmung, die die australische Romanautorin P. L. Travers als zu „süßlich“ empfand. Rotziger, frecher, britischer und weniger „zauberhaft“ wäre auch hier besser gewesen.

„Kops“ ist eine schräge, witzige Komödie mit originellen Figuren und einer ganz einfachen, verständlichen Geschichte: Einer Gruppe von schwedischen Dorfpolizisten droht die Schließung ihrer Station, weil zu wenig Verbrechen passieren. Diesem Manko versuchen sie mit illegalen Methoden auf die Sprünge zu helfen. Ein nachvollziehbares Motiv, das jede Menge komödiantisches Potenzial enthält. Nicht nur wegen der Traumvisionen von Dorfpolizist Benny, auch wegen seiner beschwingten Atmosphäre, erinnert der Film an die griechische Komödie „Kleine Verbrechen“ von Christos Georgiou.

Die Geschichte

Die Dorfpolizisten Jacob, Benny, Lasse und Agneta haben in ihrem Provinznest wenig zu tun. Mal eine Kuh, die sich verlaufen hat, mal ein umgestürzter Mülleimer. Dramatik entsteht nur in den Visionen von Benny, in denen er im Stile eines Revolverhelden reihenweise Gangster zur Strecke bringt. Die Zeit vertreiben die Kops sich beim Karten- oder Hockeyspiel, bis Jessica von der Landespolizei auftaucht und die Schließung der Wache verkündet. Drei Monate noch, dann ist Schluss.

Verbrechen

Nicht für Jacob und Lasse, die den Alkoholiker Johann bestechen, im örtlichen Lebensmittelgeschäft zu klauen. Leider hat der Ladeninhaber kein Interesse an einer Anzeige. Also müssen andere Ideen her. Allmählich steigern die Polizisten die Schwere ihrer inszenierten Delikte, bis bei einer Brandstiftung der örtliche Imbiss explodiert. Jetzt ermittelt auch Jessica, die allerdings sofort misstrauisch wird. Die Situation eskaliert, als Benny eine Kindesentführung inszeniert, was ein mobiles Einsatzkommando auf den Plan ruft. Bei ihrer Flucht werden Jacob und Benny schließlich gestellt und der ganze Schwindel fliegt auf. Aber die nun arbeitslosen Polizisten haben eine neue Idee. In ihrer ehemaligen Wache eröffnen sie eine Polizei-Pizzeria.

Tiefgang

Kritiker werfen dem Film fehlenden Tiefgang und Kalauerniveau vor. Das ist nur zum Teil richtig. Was spricht gegen funktionierende Witze, die man schon bald wieder vergessen hat? Gar nichts. Im Gegenteil. „Kops“ verbreitet einfach eine angenehme Stimmung (s. Defätismusskala). Man fühlt sich wie ein Teilnehmer eines schmackhaften Menüs, der in origineller Gesellschaft das ein oder andere Gläschen leert. Ist doch wunderbar, auch wenn diese Speise etwas Flüchtiges hat. Auch die angedeutete Liebesgeschichte zwischen Jacob und Jessica ist sehr schön entwickelt. Die beiden sind sich sympathisch. Nur müssen erst die ganzen Hindernisse aus dem Weg geräumt werden, bis eine echte Annäherung möglich ist. Schließlich ist Jessica auch die personifizierte Antagonistin.

Komik

Immer wieder gibt es witzige, auch selbstironische Einfälle. Jacobs Datingversuche haben einen hohen komödiantischen Eigenwert. Eine schöne Idee ist sein Meeting mit Jessica, die er irrtümlich für sein Blind Date hält. Ausgerechnet dann funkt es, wenn es nicht geplant ist. Schön ist auch der Schlussgag, als Jessica vorgibt zum Gesundheitsamt gewechselt zu sein und nun überprüfen soll, ob die Polis-Pizzeria den amtlichen Anforderungen standhält. Ein Déjà-vu für die Dorfpolizisten, bis Jessica ihren kleinen Streich offenbart.

Political Uncorrectness

Sehr schön ist auch die Rücksichtslosigkeit, mit der Josef Fares hier zu Werke geht. Ernst Lubitsch hätte seine Freude daran gehabt. Offensichtlich ist der Film ohne Beteiligung deutscher Filmförderungen entstanden. In „Kops“ wird mal über „Hängetitten“ debattiert oder vermeintliche Gegner mit „Motherfucker“ tituliert. So wie eben ganz normale Menschen auch mal reden. Die Figuren sind bis in die kleinsten Nebenrollen hervorragend besetzt. Sie pflegen ihre Marotten, sind originell und prägnant. So schnell vergisst man diese „Kops“ nicht. 

Schwächen

Für den ganz großen Wurf fehlt es an der Konzentration auf eine Hauptfigur und an emotionaler Tiefe. Wer ist eigentlich der Held? Manchmal ist das Geschehen bei Jacob, manchmal bei Benny, manchmal bei Jessica usw. Die Fokussierung auf eindeutige Protagonisten wäre aber eine Voraussetzung für eine intensivere emotionale Anteilnahme. Die Mehrfachperspektive schafft auch hier keine erzählerischen Vorteile. Wirkliche Gefahrenmomente sind rar. Die sollten aber auch in einer Komödie für Spannung sorgen (s. „Sein oder Nichtsein“). Die Schlusspointe, die eigentlich in der Geschichte steckt, fehlt leider komplett: Als die Kops am Ende ihren neuen Job als Pizzabäcker angetreten haben, müssten im Dorf – natürlich – neue Verbrechen passieren. 

Fazit

„Kops“ demonstriert auch, wie man mit wenig Geld einen witzigen Film produzieren kann. Das Budget ist nur eine Zahl, auf die Ideen und deren Umsetzung kommt es an. Diese „Kops“ machen einfach Spaß, deshalb …

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Der Titelvorspann besteht aus kunstvollen, betörenden Nahaufnahmen von Gesicht und Haaren der Heldin, Reproduktionen von Fotografien in schwarzweiß. Die Exposition ist auch eine Einstimmung auf die Geschichte, in der die 20-jährige Marie (Catherine Deneuve) aufs Podest gehoben wird. Sie ist eine Hommage an die Attraktivität der Protagonistin, an ihren Eigensinn und ihren Trickreichtum. Damit hat der Film von Jean-Paul Rappeneau etwas sehr Modernes, auch wenn er fast 60 Jahre alt ist und 1944 in der Normandie spielt, also zu Zeiten der deutschen Besatzung. Inszeniert im Stile einer hemmungslosen Komödie erinnert „Leben im Schloss“ an die geniale Naziklamotte „Sein oder Nichtsein“ von Ernst Lubitsch.

Die Geschichte

Es fängt damit an, dass Maries Ehemann Jérôme (Philippe Noiret) feststellt, dass im Keller ihres heruntergekommenen Schlosses wieder Äpfel geklaut wurden. Anstatt Interesse für den Diebstahl zu zeigen, beschimpft Marie ihn und seinen Kleingeist. Schließlich fordert sie von ihm eine vertragliche Zusicherung, dass er wie versprochen endlich mit ihr nach Paris zieht. Und das ist die Geschichte. Darum dreht sich alles, von Anfang bis Ende. Diese Einfachheit ist ein weiterer Vorzug von „Leben im Schloss“. Die Kriegswirren kurz vor Landung der Alliierten nutzt Rappeneau nur als Folie. Es könnten auch andere zeitgeschichtliche Unruhen sein. Letztlich dienen sie nur der Anhäufung von Konflikten sowie der Skizzierung und Entwicklung der Protagonisten.

Hemmungslosigkeit

Die erfrischende Hemmungslosigkeit, mit der Rappeneau hier zu Werke geht, ist nie plump. Es gibt keinen Klamauk, wie er des öfteren in deutschen „Komödien“ anzutreffen ist. Apropos. 1966 wurden in Deutschland schwermütige Dramen oder Winnetou-Filme produziert. Keine Spur von Originalität, nuancierter Komik oder Rücksichtslosigkeit. „Leben im Schloss“ demonstriert, wie man spielerisch (Spielfilm) mit Zeitgeschichte umgehen kann.

Die Figuren

Marie ist die unumstrittene Heldin dieser Komödie: Kratzbürstig, schlagfertig und trickreich wickelt sie die Männer um den Finger. Ehemann Jérôme agiert anfangs etwas tranig und verhalten. Schließlich muss er sich auch noch seiner im gemeinsamen Haushalt lebenden Mutter erwehren. Aber dann zeigt er zunehmend Mut und engagiert sich bei der Überrumpelung der Besatzer. Folgerichtig wird er am Ende belohnt. Der französische Widerstandskämpfer Julien verfällt Maries Charme ebenso wie Nazikommandant Klopstock. Julien macht anfangs noch den Fehler, Marie eine gemeinsame Zukunft auf einer einsamen Insel auszumalen. Später erfährt er dann von ihren Träumen und korrigiert beim nächsten Tête-à-tête seine Ziele. Auch das ist witzig.

Finale

Sehr schön und stimmig ist auch das Ende, das Marie und Jérôme beim triumphalen Einmarsch der Befreier in Paris zeigt. Wie in einem Karnevalsumzug posieren sie auf den Panzern der Alliierten und scheinen den Jubel der Menge für sich zu reklamieren. Schön ist auch, dass Marie am Ende zu ihrem Mann hält, nachdem er gezeigt hat, was in ihm steckt. Nicht nur Paris ist befreit, sondern auch Marie und Jérôme. Pures Kinovergnügen!

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Die Marx Brothers waren eine US-amerikanische Komikertruppe, die vor knapp 100 Jahren ihr Unwesen getrieben hat. Ihre Filme sind weniger Erzählungen als eine Aneinanderreihung von Sketchen und Varieténummern. Die Situationskomik ist teilweise so absurd, dass man irgendwann lachen muss. Die Vorgehensweise des Anarcho-Quartetts ist weniger subtil, denn hemmungs- und rücksichtslos. Gut so. Leidtragende sind stets Vertreter des Establishments, der Konventionen. Insofern haben sie durchaus etwas gemeinsam mit ihrem philosophischen Namensvetter. Jegliche Etikette sind für die Vier ein Antrieb – ein Muss, das Regelwerk auf den Kopf zu stellen und ad absurdum zu führen.

Opening

In „Die Marx Brothers auf See“ (Monkey Business) machen Groucho, Harpo, Chico und Zeppo einen Luxusdampfer unsicher, auf dem sie natürlich als blinde Passagiere eingecheckt haben. Schon der Vorspann mit den Credits ist sehr originell. Die Texte werden auf rollenden Heringsfässern, dem Versteck der Brothers Brothers, ins Bild gerollt. Nach ihrer Enttarnung kann der Spaß in Form von Flucht-Verfolgungs-Szenen beginnen.

Stärken

Das absurde Treiben könnte man als rotzfreches Kaspertheater bezeichnen, das von Grouchos Wortwitz (der mit Schnurrbart und Zigarre) dominiert wird. Auf die Empörung eines Passagiers „Was glauben Sie, wer ich bin?“, entgegnet Groucho: „Sagen Sie’s mir nicht!“ Korrumpierungsversuche beantwortet er folgendermaßen: „Wollen Sie mich etwa bestechen? Wie viel?“ Nach der Ohnmacht eines Passagiers wird lauthals nach einem Arzt gerufen. Das veranlasst die Marx Brothers, beim nächstbesten weiblichen Gast Erste-Hilfe-Maßnahmen anzuwenden. Deren Proteste, „Ich bin doch nicht die Patientin“, kontern sie wie folgt:“ Macht nichts. Wir sind auch nicht die Ärzte.“

New York

Bei der Ankunft in New York haben die Marx Brothers natürlich keinen Pass. Den klauen sie einfach aus der Kabine von Maurice Chevalier. Da das Passfoto kaum Ähnlichkeit mit den vier Brüdern hat, versucht einer nach dem anderen mit einem vorgetragenen Chanson die Zweifel der Grenzbeamten auszuräumen. Das gelingt ihnen auch, denn spätestens jetzt ist klar, dass keiner von ihnen Maurice Chevalier ist. Witzig ist auch die Zweckentfremdung von Statussymbolen oder Gegenständen. So schlüpft Groucho beim Showdown beispielsweise in die Rolle eines Radioreporters. Als Mikrofon muss ein alter Milchtopf mit Stiel herhalten.

Grenzüberschreitungen

Die Grenzen zu Beleidigungen sind fließend. So kündigt Groucho dem Publikum auf dem Ozeandampfer eine berühmte Opernsängerin an, während im Nachbarzimmer gerade das Büfett eröffnet wird: „Um sie schnell dorthin zu bringen, gibt Frau Schmalhausen ein Sopransolo.“ Bei der Landung in New York mischt Groucho sich einfach unter die wartenden Journalisten, um der von Bord gehenden Operndiva folgende Frage zu stellen: „Stimmt es, dass sich Ihr Mann von Ihnen scheiden lässt, sobald er wieder sehen kann?“ Das sind natürlich schon Bemerkungen unterhalb der Gürtellinie. Darf man das im Film? Ja, warum nicht? Ist doch nur ein Film. Dort können oder sollen wir auch Zutaten verwenden, auf die wir im realen Leben besser verzichten. Könnte ja sonst langweilig werden.

Schwächen

Echte Widersacher sind im ganzen Treiben allerdings nicht auszumachen. Kapitän und Besatzung in „Die Marx Brothers auf See“ agieren in Gestalt von uniformierten Trotteln. Das ist zwar grotesk und spaßig, aber eben wenig dramatisch. Ein Manko, das allen Filmen der Marx Brothers anhaftet. Teilweise wirkt das Geschehen auch etwas angestaubt, etwa wenn Harpo jedem Rock hinterherläuft und die Damen schreiend das Weite suchen.

Fazit

Wer jemals Angst hatte, gegen Benimmregeln zu verstoßen, hätte mit den Filmen der Marx-Brothers jede Menge Therapiematerial. Sie haben etwas Befreiendes, machen Spaß und sind – wenn man so will – eine Anleitung zum Ungehorsam.

Die Idee, eine New Yorker Theatergruppe in den 20er Jahren des vorigen Jahrhunderts mit einem Mafiaclan zu konfrontieren, hat jede Menge Potenzial. In typischer Allen-Manier pendelt „Bullets over Broadway“ zwischen Screwball comedy und Groteske. Hauptfigur ist der junge, erfolglose Autor David Shayne (John Cusack), der endlich mal Regie führen möchte und sich dafür auf einen Pakt mit dem Teufel einlässt. Finanzier ist nämlich der Mafioso Nick Valenti (Joe Viterelli), der als Gegenleistung eine Theaterrolle für seine völlig unbegabte Freundin Olive Neal (Jennifer Tilly) einfordert. Als Aufpasser wohnt Gangster Cheech (Chazz Palminteri), einer von Valentis Leuten, den Theaterproben bei. Nicht nur damit sind die Konflikte vorprogrammiert. Zusätzlich hat David es mit einem exaltierten Ensemble zu tun. Allen voran die alternde Diva Helen Sinclair (Dianne Wiest), die David um den Finger wickelt und in die er sich schließlich verliebt.

Theater

Einmal mehr thematisiert Woody Allen die Widrigkeiten eines künstlerischen Daseins in westlichen Wohlstandsgesellschaften. „Kein Künstler hat Zeit seines Lebens berufliche Anerkennung bekommen“, versuchen Davids Freunde den Erfolglosen zu beruhigen. Der weiß natürlich, dass dieser gut gemeinte Ratschlag so nicht stimmt. Seine Vorbehalte, auch künstlerische Eingriffe der Mafiosi zu akzeptieren, begegnet sein Manager mit folgender Frage: „Willst du nun dein Stück auf der Bühne sehen oder nicht?“

David arrangiert sich so gut er kann, bis Cheech das Kommando übernimmt. Der entpuppt sich nämlich als bauernschlauer Dramatiker, der sein Rüstzeug im Ghetto und im Gefängnis erlernt hat. Sehr schön sind die gemeinsamen Optimierungsrunden von Mafioso und Autor, bei denen David seine Grenzen realisiert und seinen Meister findet. Cheech ist es schließlich auch, der bereit ist, sein Leben zum Wohle des Stücks aufs Spiel zu setzen, indem er Olive ins Jenseits befördert. In seinen Augen der einzige Weg, diese Niete zum Wohle der Inszenierung aus dem Theaterspiel zu nehmen. Valenti riecht den Braten und schickt Cheech seine Killer auf den Hals. Als David den sterbenden Cheech in seinen Armen hält, begreift er die Limitierungen seiner künstlerischen Fähigkeiten und zieht die Konsequenzen.

Emotionen

Seltsamerweise erzeugt der Film, außer gelegentlichen Lachern, keine Emotionen. Man fiebert nie wirklich mit einem der Protagonisten mit. Alles wirkt irgendwie distanziert, wie ein Kaleidoskop, eine Collage. Man schaut dem Treiben zu und amüsiert sich – mehr nicht. Selbst wenn die Geschichte konsequenter aus Davids oder Cheechs Perspektive erzählt worden wäre, stünde ihnen immer noch der eigentliche Held im Wege: das Theater oder der Broadway. Diese Liebeserklärung an eine darstellende Kunst benötigt zur Emotionalisierung aber taugliche Vehikel: Protagonisten, die mehr im Fokus stehen.

Frauen

Des weiteren sind sämtliche weiblichen Charaktere bis ins Groteske überzogen. Allen voran die unterbelichtete Olive, die in ihrer dargestellten Dämlichkeit auch nicht mehr wirklich witzig ist. Woody Allen bedient sich hier des Susan-Alexander-Syndroms aus „Citizen Kane“. Da meint der mächtige Zeitungstycoon Charles Foster Kane seiner Geliebten, der Hobbysängerin Susan Alexander, zum Erfolg verhelfen zu müssen. Ein Unterfangen, das letztlich zum Scheitern verurteilt ist. Dabei kommt Susan in „Citizen Kane“ immerhin noch vom Fach und Kane hat, außer seiner Zuneigung, noch einen weiteren Antrieb: Er will seine Eitelkeit zufriedenstellen und allen beweisen, dass er – trotz mangelhafter Voraussetzungen – mächtig genug ist, einen Star zu kreieren. All dies fehlt in „Bullets over Broadway“. Olive ist eine Tänzerin aber keine Schauspielerin, die zudem keinen Funken Grips im Kopf hat. Gerade Gangsterboss Nick Valenti müsste wissen oder zumindest ahnen, dass dieser Karriereplan kompletter Unfug ist.

Woody Allen und die Frauen – ein Thema in seinen meisten Filmen. In „Bullets over Broadway“ ist auffallend, dass alle männlichen Charaktere zwar mit Marotten ausgestattet sind aber glaubhaft agieren. Selbst die Gangster sind hervorragend gecastet. Demgegenüber sind, bis auf Davids Freundin, alle weiblichen Figuren grotesk überzeichnet. Das kann man bei der exaltierten Helen Sinclair noch akzeptieren, aber bei Olive wirkt die überzogene Charakterisierung nur noch peinlich. Irgendwann im Verlauf des Films hält Davids Freundin ihm eine klischeehafte Figurenzeichnung vor: „Du hast keine Ahnung wie Frauen wirklich ticken.“ Diesen Satz hat wohl auch Woody Allen in seinem Leben so oder so ähnlich schon mal von kompetenter Seite zu hören bekommen. Er ist eine mögliche Erklärung für die klischeehafte Figurenzeichnung der weiblichen Protagonisten.

Spannung

Die Distanz zu den Figuren verhindert auch das Entstehen von Spannung, was angesichts von Gangstern und lebensbedrohlichen Situationen schon bemerkenswert ist. Aber wenn eine Identifikation nicht zustande kommt, ist selbst das Ableben eines Protagonisten nicht mehr als der Baustein einer Versuchsanordnung. Es reicht gerade mal zu einem Achselzucken. Zur Distanz trägt auch die langweilige Kameraführung von Carlo Di Palma bei. Sie changiert zwischen „amerikanischen“ Einstellungen, Halbtotalen und Totalen. Ganz selten mal eine Nahaufnahme. So kann eben keine Nähe entstehen.

Fazit:

Dagegen sind die Dialoge brillant. Aber das darf man vom ehemaligen Gagschreiber Woody Allen auch erwarten. Wenn Helen Sinclair in einer Bar zwei Martinis bestellt und David ihr gesteht, dass das auch sein Lieblingsgetränk ist, antwortet Helen: „Sie wollen auch einen?“ Ein typischer Woody-Allen-Gag. Trotz der Defizite in der Dramaturgie und Charakterisierung schaut man in „Bullets over Broadway“ dem teils absurden, aber immer vergnüglichen Treiben gerne zu.