Drama

Die große Stärke von Luc Besson ist die Skizzierung von prägnanten Charakteren, die man so schnell nicht vergisst (s. a. „Nikita“ und „Léon – der Profi“).

Auch bei „DogMan“ steht, genauso wie in diesen beiden Beispielen, ein Außenseiter, ein Traumatisierter, eine verlorene Seele im Fokus und Luc Besson ist ihr Anwalt. Fokus ist hier wörtlich zu nehmen. Die Konzentration auf den Helden ist einfach beeindruckend. Kein Schnickschnack, keine Mehrfachperspektiven, keine Ablenkungen. Es geht um den „DogMan“ und sonst nichts. Einfach sensationell, wie Caleb Landry Jones ihn spielt. Die Genreeinstufung fällt schon schwerer. Der Film ist eine Mixtur aus Tragikomödie, Thriller, Familiendrama und Gangsterkomödie. In jedem Fall hat er es in sich.

Die Geschichte

Nach einer Schießerei mit mehreren Toten wird Douglas Munrow ziemlich ramponiert, mit trägerlosem Kleid, blonder Perücke und geschminktem Gesicht, in seinem LKW von der Polizei festgenommen. Auf der Ladefläche: dutzende von Hunden. Die Polizeipsychologin Evelyn verhört ihn und erfährt seine Lebensgeschichte.

Rückblende

Als kleiner Junge lebt Douglas bei seinem gewalttätigen Vater, der überforderten Mutter und seinem älteren Bruder. In einem Zwinger hält der Vater etliche Hunde, die er schlecht behandelt und für brutale Kämpfe trainiert. Als Douglas den Tieren zum wiederholten Mal den Tieren heimlich zu Hilfe kommt, sperrt der Vater ihn zur Strafe in den Zwinger. Seine schwangere und verzweifelte Mutter sucht ihr Heil in der Flucht. Nach einer erneuten Hilfsaktion feuert der Vater sogar mit seiner Schrotflinte auf Douglas. Der Junge verliert einen Finger, ist fortan gelähmt und auf einen Rollstuhl angewiesen. Allerdings führt der Vorfall zur Verhaftung von Vater und Bruder. Douglas kommt in ein Kinderheim, wo er die junge, engagierte Theaterpädagogin Salma kennenlernt. Sie studiert mit ihm Shakespeare-Stücke ein. Der Junge ist fasziniert von der Welt der Imagination und von Salma. Die verlässt allerdings bald wieder das Kinderheim, um ein Engagement beim Theater anzutreten. 

Hundeleben

Als junger Erwachsener führt Douglas ein städtisches Hundeheim. Er verfolgt Salmas Karriere und klebt Zeitungsausschnitte und andere Fundsachen in ein Album. Nach einem umjubelten Auftritt am Broadway überreicht Douglas ihr das Sammelwerk. Sie ist total gerührt, um ihm im nächsten Moment ihren Mann vorzustellen. Douglas hatte sich insgeheim Hoffnungen gemacht und ist wie vor den Kopf gestoßen. Als das Hundeheim geschlossen werden soll, flieht er mit seinen Vierbeinern in ein heruntergekommenes, leerstehendes Fabrikgebäude, wo sie vor der feindlichen Außenwelt erst mal geschützt sind. 

Theater

Auf der Suche nach Jobs gelangt Douglas zufällig in ein kleines Transvestiten-Theater. Wie magisch angezogen kann er den Theaterchef zu einem Probeauftritt überreden. Von diesem Moment an singt Douglas einmal die Woche in Frauenkleidern Chansons. Seine Geldprobleme löst dieses Engagement aber nicht. Deshalb bildet er seine Hunde als Diebesbande aus, spezialisiert auf den Schmuck reicher Leute. Irgendwann kommt ihm ein Versicherungsagent auf die Schliche. Doch anstatt die Polizei zu alarmieren, fordert der Agent mit Waffengewalt die Herausgabe der Juwelen, was ihm zum Verhängnis wird. Nicht besser ergeht es dem Gangsterboss El Verdugo und seiner Bande, die ihren Überfall auf Douglas und seine Hunde nicht überleben. Die Schießerei führt zur Verhaftung. Am Ende bedankt sich Douglas bei Evelyn für die Gespräche. Nach einer Befreiungsaktion seiner Hunde erhebt er sich vor dem Gefängnis aus seinem Rollstuhl und wankt einige Schritte, bis er tot zusammenbricht. 

Stärken

„Wo immer es einen Glücklosen gibt, schickt Gott einen Hund“, heißt es im Vorwort. Bei Douglas sind es dutzende von Hunden. Daran kann man den Grad seiner seelischen Verletzungen ermessen. Schließlich – das hat er gelernt – ist auf die Menschen kein Verlass. Die Männer sind gewalttätig (Vater, El Verdugo) oder Verräter (Bruder), die Frauen (Mutter oder Salma) suchen irgendwann das Weite. Man versteht seine Faszination, aus den Männerkleidern herauszuschlüpfen, seinen Wunsch nach einer Metamorphose: „Die imaginäre Welt hat mich zärtlich in den Arm genommen.“ Einfach genial ist die Szene am Broadway-Theater, die seine Hoffnungen und seine Zerrissenheit verdeutlicht. Douglas ist ebenso klug wie traurig und fähig zur Selbstreflexion. Deshalb am Ende auch der Dank an Evelyn. Luc Besson gelingt es, die Gefühle des Helden mit denen des Zuschauers zu synchronisieren.

Hunde

Der zweite Hauptdarsteller sind die Vierbeiner. Für Douglas sind sie die einzigen Wesen, auf die man sich verlassen kann: „Hunde können nicht lügen, wenn es um Liebe geht.“ Ihr einziger Fehler: „Sie vertrauen Menschen.“ Einfach toll ist die Szene, wie Douglas seinen Hunden aus Shakespeare-Stücken vorliest und sie gespannt lauschen, als würden sie den Sinn der Worte verstehen.

Schwächen

Okay, das Ableben von El Verdugo und seiner Bande ist Kintopp und in gewisser Weise auch witzig. Um die ist es auch nicht schade. Aber weniger wäre auch hier mehr gewesen. Genau wie in „Nikita“ sind es die ruhigen Momente, in denen der Film seine Kraft entfalten kann, nicht in den Ballereien. In die selbe Kategorie fällt auch die Racheaktion am Bruder, als der nach acht Jahren aus dem Gefängnis entlassen wird. Hätte ein Denkzettel nicht genügt? Was ist denn schlimmer: der Tod oder das Weiterleben unter körperlichen Beeinträchtigungen und vor allem mit dem Eingeständnis der eigenen Schuld (s. a. „Der Tod und das Mädchen“ von Roman Polanski)? Desgleichen der Versicherungsagent. Hier hätte man sich einen Deal vorstellen können: Fifty-fifty, sonst kommt sein Spezialhund. Außerdem hätte Douglas sich auf seine Einladung zum Abendessen einlassen sollen, oder besser Luc Besson. Denn der hat hier eine Suspense-Situation verschenkt.

Glaubwürdigkeit

Dann gibt es eine ganze Reihe von Szenen, die unsere Akzeptanz für die Glaubwürdigkeit arg strapazieren. Da gibt es einen kleinen Hund, der ein Bild von einem Polizeiwagen präsentiert bekommt und anschließend in der Lage ist, in den Straßen einen Einsatzwagen zu orten und die Polizisten mit sich zu locken. Desgleichen die Diebesbande. Das ist zwar ganz witzig, muss man aber auch erst mal schlucken. Oder seine Hunde als Küchenhelfer. Die wissen ganz genau, wo das Mehl ist, und holen es für den DogMan aus dem Regal. Hier wären ein paar Trainingseinheiten ganz vorteilhaft gewesen. Also Douglas übt mit seinen Hunden das Stehlen von Schmuck oder das Apportieren von Lebensmitteln. Dann wäre man vermutlich nicht drüber gestolpert und hätte eher drüber hinwegsehen können. Aber so ist auch die finale Befreiungsaktion aus dem Gefängnis ein Stolperstein.

Fazit

Ansonsten ist der Schluss schön. Douglas hat Evelyn nämlich ein Geschenk gemacht, von dem sie nichts ahnt. Seinen Wachhund hat er vor dem Haus von Evelyn positioniert, um sie vor ihrem gewalttätigen Ex-Mann zu beschützen, und man hat keinen Zweifel, dass der Hund seine Aufgabe erfüllen wird.

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„Armee im Schatten“ ist ein atmosphärisch dichtes, düsteres, eher ruhiges, dokumentarisch anmutendes Kriegsdrama nach dem gleichnamigen Roman von Joseph Kessel.

Es spielt gegen Ende des 2. Weltkriegs in Frankreich und erzählt die Geschichte einer Gruppe von Widerstandskämpfern, in der nichts beschönigt oder verherrlicht wird. Im Gegenteil. Die Atmosphäre ist geprägt von Pessimismus, Resignation und Angst, nicht nur vor der Gestapo, sondern auch vor den eigenen Leuten. Der Film ist der Versuch, den Résistance-Kämpfern des 2. Weltkriegs ein filmisches Denkmal zu setzen.

Die Geschichte

In Folge eines Verrats landet Widerstandskämpfer Philippe (Lino Ventura) in einem Internierungslager. Doch bei einem Gefangenentransport gelingt ihm die Flucht. In Marseille liquidiert er, zusammen mit anderen Mitstreitern, den Verräter in den eigenen Reihen. Dann flieht er aus Sicherheitsgründen mit einer Gruppe von Rebellen in einem U-Boot nach London. Als Philippe von der Verhaftung seines Freundes Felix erfährt, lässt er sich mit einer Militärmaschine über Frankreich absetzen, um seinen Freund zu befreien. Der wird allerdings in einem Hochsicherheitsgefängnis der Gestapo in Lyon gefangen gehalten und gefoltert. Untergrundkämpferin Mathilde versucht mit einem getarnten Rot-Kreuz-Fahrzeug, Felix aus dem Gefängnis zu holen. Aber der ist bereits sterbenskrank, weshalb der Transport verweigert wird. Im Zuge einer Razzia wird auch Philippe festgenommen. Bei sadistischen Exekutionsspielen der Gestapo können Mathilde und ihre Leute Philippe befreien. Ein paar Wochen verbringt er auf einem einsamen Gehöft. Dann erfahren die Résistance-Kämpfer von Mathildes Verhaftung. Sie wird von der Gestapo erpresst, die Namen ihrer Mitstreiter zu verraten. Um dieser Gefahr vorzubeugen, liquidieren sie Mathilde auf offener Straße. Im Nachspann erfährt man, dass sowohl Philippe als auch der Rest der Freischärler von den Nazis gefasst und getötet wurde.

Der Verrat

„Armee im Schatten“ basiert auf einem klassischen Erzählmotiv, das sich von Anfang bis Ende wie ein blutroter Faden durch die Handlung zieht: Der Verrat. Das Motiv impliziert konflikthafte Interaktionen, den Bruch von Freundschaften und in diesen Zeiten: Lebensgefahren. Es ist das Damoklesschwert, das über den Widerstandskämpfern schwebt. Es beginnt mit Philippes Internierung, die ein Verräter in den eigenen Reihen verschuldet hat. Am Ende reicht die Angst vor einem Verrat, um Freundin und Mitkämpferin Mathilde zu liquidieren. Wie ein Krebsgeschwür hat es alle Résistance-Kämpfer befallen: Man kann niemandem mehr trauen.

Das Drama

Hier wäre es allerdings dramatischer gewesen, sich auf die Erpressung von Mathilde durch die Gestapo zu konzentrieren. Sie enthält das größte Konfliktpotenzial. Diesen möglichen Verrat hätte man zusätzlich durch eine Intensivierung der Liebesgeschichte zwischen Philippe und Mathilde anreichern können. Im Film wird sie nur angedeutet, und zwar als beide nach Philippes Befreiung im Heck des Fluchtwagens sitzen und sie zärtlich seine Hand ergreift. Aber das war’s dann. Mehr gibt’s nicht. Schade. Dabei hätte man Philippes inneren Zwiespalt mit einem Liebesverhältnis auf die Spitze treiben können. Dann hätte er vor der Wahl gestanden, entweder seine Geliebte oder seine Mitstreiter opfern zu müssen. Es wäre der größtmögliche Konflikt für den Helden gewesen, und den sollte man als Erzähler durchexerzieren.

Schwächen

Durch die inneren Stimmen der Protagonisten können wir tief in ihre Befindlichkeiten eintauchen. Allerdings wäre auch hier eine Konzentration besser gewesen als der ständige Wechsel von Philippe zu Mathilde oder zu Felix. So verlieren wir unseren Helden immer wieder aus den Augen und können keine richtige Nähe aufbauen. Es gibt immer wieder Szenen, die nicht wirklich handlungsrelevant sind. Da transportiert zum Beispiel der junge Jean-François einen Koffer mit einem Funkgerät von Marseille nach Paris und muss mehrere Kontrollen passieren. Das ist zwar ganz spannend, aber eine Bedeutung für die Geschichte hat weder der Transport noch das Funkgerät.

Wahre Begebenheiten

Ein Problem sind auch die wahren Begebenheiten, die sowohl der Roman als auch Melvilles persönliche Erfahrungen enthalten. Im Zweifelsfall hält man sich eben an das, was passiert ist. Für die Dramatisierung einer Geschichte sollten sie aber als eine Art Steinbruch fungieren. Die Lösung wäre eine Selektion gewesen, eine Bearbeitung des dramatischsten Steinblocks: Konzentration auf die Liebesgeschichte und den daraus resultierenden Konflikten. Erstaunlich ist auch, dass einige Szenen trotz der wahren Begebenheiten unter mangelnder Handlungslogik und Glaubwürdigkeit leiden. Wie schon in „Vier im roten Kreis“ misst Melville diesen Faktoren leider eine untergeordnete Rolle zu. 

Ungereimtheiten

Bei Philippes Flucht am Anfang aus einem provisorischen Verhörraum im Hotel Majestic fragt man sich, wo denn die Verfolger bleiben? Das einzige erleuchtete Geschäft ist ein Friseurladen, in den Philippe dann flieht und sich auch noch rasieren lässt. Aber das Geschäft müsste doch durchsucht werden? Sehr merkwürdig. Die zweite Befreiungssituation bei den sadistischen Exekutionsspielen mutet noch absurder an. Ebenso seltsam ist die Geschichte mit dem anonymen Brief des jungen Jean-François. Wieso landet er nach seiner Festnahme in der Gefängniszelle von Felix, um ihm dort eine Zyankali-Kapsel zukommen zu  lassen? Die beiden würde man doch in getrennte Zellen sperren. Wieso wird Mathilde am Ende von der Gestapo auf freien Fuß gesetzt? Selbst wenn sie die Namen ihrer Mitstreiter verraten hat, würden die Nazis sie doch niemals laufen lassen. Ihr Schicksal ist doch so oder so besiegelt?

Fazit

„Armee im Schatten“ endet, wie viele andere Werke Melvilles, im großen Scheitern. Auch in „Vier im roten Kreis“ oder in „Der eiskalte Engel“ bleiben die Protagonisten am Ende auf der Strecke. Ein Überleben oder so etwas wie Hoffnung ist nicht vorgesehen. Insofern hat das Kriegsdrama auch etwas Fatalistisches. Irgendwann sehnt man sich nach „Das Leben im Schloss“ von Jean-Paul Rappeneau, der ebenfalls die Zeit der Besatzung Frankreichs gegen Ende des 2. Weltkriegs behandelt. Nur konzentrierter, spielerischer, humorvoller, leichter, irgendwie französischer.

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„Vom Winde verweht“ erzählt keine Liebesgeschichte, keine Familiensaga und auch kein Melodrama, sondern das Drama zweier Menschen, die Opfer ihrer emotionalen Illusionen sind.

Des Weiteren zeigt der Film das Porträt einer impulsiven, starken Frau, die in unwirtlichen Zeiten unternehmerische Qualitäten an den Tag legt und der Scholle treu ist. Das hat etwas Modernes, Zeitloses. Ebenso die Skizzierung der Bindungsunfähigkeit der Protagonisten. Ansonsten wirkt aus heutiger Sicht vieles an diesem Schmachtfetzen übertrieben (Schicksalsschläge), künstlich (Technicolor) oder schwülstig (Dialoge). Aber das Südstaaten-Epos hat eben auch seine Qualitäten …

Teil 1

Georgia 1861. Die junge Scarlett O’Hara wächst auf der Baumwollplantage Tara, nahe Atlanta, auf. Sie ist in Ashley, den Erben der benachbarten Plantage, verliebt. Der plant jedoch, seine gutmütige Cousine Melanie zu heiraten. Auf einem Gartenfest versucht Scarlett, Ashley umzustimmen. Aber vergebens. Ebenfalls anwesend ist der etwas zwielichtige Captain der Südstaatler Rhett Butler, der kein Blatt vor den Mund nimmt und Scarlett provoziert. Aus Trotz über Ashleys Entscheidung heiratet sie spontan Melanies jüngeren Bruder Charles. Der stirbt aber gleich nach Ausbruch des Bürgerkriegs an Lungenentzündung. Scarletts Trauer über den Verlust hält sich in Grenzen.

Atlanta

In der Hoffnung, Ashley wiederzusehen, zieht Scarlett nach Atlanta zu der schwangeren Melanie und deren Tante. Auf einem Wohltätigkeitsball trifft sie erneut auf Rhett, der sie als Tanzpartnerin ersteigert. Wieder provoziert sie der eloquente Captain und gesteht ihr seine Liebe. Aber Scarlett erteilt ihm eine Abfuhr. Im örtlichen Lazarett geht sie dem Doktor zur Hand und lernt so die Grauen des Krieges kennen, der nun immer näher rückt. Unmittelbar vor dem Einmarsch der Yankees setzen bei Melanie die Wehen ein. In ihrer Verzweiflung wendet Scarlett sich an Rhett. Gemeinsam mit einer Hausangestellten helfen sie Melanie bei der Geburt ihres Sohnes. Anschließend fliehen sie vor Plünderern und heranrückenden Soldaten aus Atlanta. Kurz bevor sie Tara erreichen, verlässt Rhett die Frauen und den Säugling, um sich den Südstaatlern anzuschließen.

Tara

Vom Anwesen steht nur noch das Hauptgebäude. Ansonsten sind Land und Stallungen verwüstet und geplündert. Scarletts Mutter ist verstorben, ihr Vater hat den Verstand verloren und ihre beiden Schwestern sind krank. Zum ersten Mal ist Scarlett in ihrem Leben ganz auf sich gestellt. Aber sie ist genauso widerstandsfähig wie dickköpfig und schwört, nie wieder Hunger leiden zu müssen.

Teil 2

Scarlett übernimmt die Rolle des Familienoberhaupts. Einen marodierenden Yankee-Soldaten erschießt sie in Notwehr. Überraschenderweise hilft Melanie ihr bei der Entsorgung der Leiche. Als Ashley aus dem Krieg zurückkehrt, will auch Scarlett ihm um den Hals fallen. Im letzten Moment kann Mammy, das farbige Kindermädchen, sie zurückhalten. Unter vier Augen gesteht Scarlett dem Rückkehrer erneut ihre Liebe. Obwohl auch Ashley Gefühle für sie hat, will er Melanie und ihren gemeinsamen Sohn nicht verlassen. Eine Grundstückssteuer in Höhe von 300 Dollar auf Tara versucht Scarlett von Rhett zu erhalten. Nachdem dieses Vorhaben scheitert, macht sie sich an Fred, den Freund ihrer Schwester, heran, der in Atlanta mit einem Geschäft zu etwas Wohlstand gekommen ist. Beide heiraten und Scarlett baut das Unternehmen aus.

Der dritte Mann

Nach einem Überfall auf Scarlett nehmen sowohl Fred als auch Ashley an der geheimen Zusammenkunft einer Bürgerwehr (Klu-Klux-Klan) teil. Während Fred dabei erschossen wird, verschafft Rhett Ashley ein Alibi und kann ihn so vor der Verhaftung retten. Rhett nutzt die Gunst der Stunde und unterbreitet Scarlett einen Heiratsantrag, den sie annimmt. Die Geburt der gemeinsamen Tochter Bonny bringt kurzfristig Entlastung im Dauerstreit des Paares, zumal Rhett die Kleine abgöttisch liebt. Aber der nächste Schicksalsschlag lässt nicht lange auf sich warten. Bonny bricht sich bei einem Reitunfall das Genick. Kurz darauf stirbt auch noch Melanie. Auf dem Totenbett muss Scarlett ihr versprechen, sich um Ashley und ihren Sohn zu kümmern. Scarlett wirft sich dem Geliebten in die Arme, der allerdings wieder in Selbstmitleid versinkt. Erst jetzt erkennt sie, dass Ashley der Falsche und Rhett der Richtige ist. Aber der hat mittlerweile endgültig das Weite gesucht. 

Antikriegsfilm

Der 1. Teil konzentriert sich auf die Charakterisierung seiner Protagonisten, insbesondere auf Scarlett O’Hara sowie auf die Auswirkungen eines erbarmungslosen Krieges, ohne eine einzige Kampfhandlung zu visualisieren. Gerade mit diesem Fokus auf das, was Krieg mit den Menschen macht, überzeugt „Vom Winde verweht“ als eindrucksvoller Antikriegsfilm. Eine Liebesgeschichte ist im 1. Teil nicht erkennbar. Dafür sind die Begegnungen zwischen Scarlett und Rhett auch zu flüchtig und stets von frotzelndem Geplänkel geprägt. Eine Liebesgeschichte oder Melodrama mit Fundament benötigt aber sowohl eine Annäherung als auch Zeit, die die Liebenden miteinander verbringen (s.a. „Unterwegs nach Cold Mountain“). 

Drama

Im 2. Teil dominiert das zwischenmenschliche Drama, das aus Schicksalsschlägen und der Unfähigkeit der Protagonisten resultiert, über den eigenen Schatten zu springen. Ein einziges Mal schafft Rhett es, seine Eifersucht und verletzten Eitelkeiten hintenanzustellen. Das ist die Phase nach der Geburt ihrer gemeinsamen Tochter. Nach deren Unfalltod fällt das Ehepaar sofort wieder in seine destruktiven Verhaltensmuster zurück. Es sind also die inneren Widerstände oder Konditionierungen, die hier zum Scheitern führen, womit der Film auch an Marcel Carnés Meisterwerk „Die Kinder des Olymp“ erinnert, ohne an dessen Qualitäten heranzureichen. 

Heldin

Scarlett ist keine typische Frauenfigur, schon gar nicht für die Zeit, in der die Handlung angesiedelt ist. Sie ist wahrlich kein Heimchen am Herd. Nach Bonnys Geburt betrachtet sie skeptisch ihre Taille im Spiegel und verkündet: „Ich will keine Babys mehr.“ Scarlett ist eine interessante Heldin, aber nicht sympathisch. Muss sie auch nicht. Für den Erfolg ihres Unternehmens ist ihr die rücksichtslose Ausbeutung ihrer Arbeiter gleichgültig: „Wie ich das Geld verdiene, soll mir egal sein.“ Sie ist verzogen, privilegiert, temperamentvoll, lebenshungrig, unreif, ein verwöhntes Balg – im 1. Teil. Dann entwickelt sie sich zu einer starken, selbständigen und freiheitsliebenden Person, wobei sie ihren Eigensinn und ihre Kämpfernatur nie verliert, auch nicht nach dem Totalverlust. Das veranschaulicht auch ihr Schlusssatz: „Morgen ist auch noch ein Tag.“ Es geht immer weiter, egal was passiert.

Liebesgeschichte

Im Grunde sind beide Hauptfiguren sich zu ähnlich. Auf dem Opernball bringt Rhett es auf den Punkt: „Wir sind selbständig, gerissen und nennen die Dinge beim Namen.“ Dickköpfigkeit fehlt noch in dieser Aufzählung. Bei ihm kommt noch die Eifersucht hinzu, die eigentlich gar nicht zu einem Lebemann wie ihm zu passen scheint. Außerdem behandelt er Scarlett bis zum Ende von oben herab: „Ich verlass’ dich jetzt, mein Kind.“ Beide agieren im Stile eines klassischen Odd-Couple-Paares und sind Opfer ihrer Träume. Bis zum Schluss ist Scarlett Sklavin ihrer Obsession für Ashley Wilkes. Erst als Melanie stirbt und sie quasi noch den Auftrag bekommt, sich um den Witwer zu kümmern, erkennt sie, dass dieser nicht der Richtige ist. Aber da ist es zu spät. Rhett möchte, dass Scarlett ihn irgendwann mal so anschaut wie Ashley. Als das dann endlich passiert, läuft er davon. Scarlett genauso. Im Grunde kann sie alles haben, nur Ashley nicht. Das ist Teil der Obsession. Als sie ihn ganz am Ende für sich haben kann, will sie ihn nicht mehr. Da ist dann Schluss mit den Spielereien.

Die Liebe des Lebens

Letztlich hat man bei Scarlett und Rhett zu keiner Zeit das Gefühl, dass sie füreinander bestimmt sind, wie etwa die Protagonisten in „Begegnung“ von David Lean oder „Die Brücken am Fluss“ von Clint Eastwood. Deshalb hat die Liebesgeschichte in „Vom Winde verweht“ auch nicht die Intensität dieser beiden Meisterwerke. Sie ist bei weitem nicht so stark. Das hängt auch mit den äußeren Widrigkeiten zusammen. Denn eine Liebesgeschichte zweier Menschen, die füreinander bestimmt sind und aufgrund widriger äußerer Umstände nicht zueinander kommen, ist weitaus dramatischer. Wir fühlen mehr mit ihnen mit. Die finale Trennung von Scarlett und Rhett lässt einen vergleichsweise kalt. 

Stärken

Es gibt eine sehr schöne Szene, die ohne Worte Scarletts innere Verfassung visualisiert. Auf dem Wohltätigkeitsball in Atlanta sieht man sie von hinten, wie sie als „trauernde“ Witwe von einer Empore scheinbar regungslos auf die Tanzenden schaut. Dann gleitet die Kamera am schwarzen Kleid nach unten und verbleibt auf ihren im Takte der Musik hin und her schwingenden Beinen. Kein Zweifel: Die Frau hat Hummeln im Hintern. Positiv ist auch, dass zwar ziemlich oft aber schnell gestorben wird. Es gibt kein langes Siechtum. Ein Brief vom verstorbenen Charles, zack, Trauerkleidung. Weiter geht’s. Bonny fällt vom Pferd. Schnitt auf den Sarg. Dadurch verliert der Tod an Bedeutungsschwere und gewinnt etwas Natürliches.

Rassismus

„Vom Winde verweht“ wird latenter Rassismus vorgeworfen. Sicher, die Schwarzen werden durch Stereotype dargestellt. Magd Prissy ist – filmisch ausgedrückt – unterbelichtet, der Hausangestellte Pork (Schweinefleisch) ist in der Not hilflos. Immerhin ist das Kindermädchen Mammy resolut und nimmt kein Blatt vor den Mund. Sie ist sozusagen die Quoten-Farbige und eine wichtige Vertrauensperson. Aber diese simplifizierten Charakterzeichnungen sind ihrer Zeit geschuldet. Die 60er Jahre des letzten Jahrhunderts, die Zeit der Rassenunruhen, von Martin Luther King, den Black Panthers, die Werke von James Baldwin oder Toni Morrison waren noch in weiter Ferne. Im Grunde verhält es sich mit der Aufarbeitung des Rassismus’ ähnlich wie mit der Darstellung der Native Americans in den frühen Western (s. z.B. „Ringo“). Diese berechtigte Kritik hat aber nichts mit den erzählerischen Schwächen des Films zu tun. Sie sind ein Ablenkungsmanöver: Man redet über Rassismus, anstatt übers Handwerk. Wenn in diesem Film eine Gruppierung wirklich diskreditiert wird, dann sind es die Nordstaatler, also die „Yankees“. Sie treten hier ausschließlich als marodierende, plündernde, Unheil bringende Horde in Erscheinung.

Weitere Schwächen

Irgendwann wirkt dieses sich ständig wiederholende Geplänkel zwischen Scarlett und Rhett ein bisschen langweilig. Über die gesamte Länge des Films gibt es in diesem Punkt, mit Ausnahme von Bonnys Kindheit und dem Schluss, keine Änderung und keine Entwicklung. Die Gutmütigkeit und Anständigkeit von Melanie ist schwer zu ertragen. Ein einziges Mal sorgt die Cousine für eine Überraschung, als sie Scarlett beim Entsorgen der Leiche hilft.

Fazit

„Vom Winde verweht“ hat seine Qualitäten als Drama, als Charakterstudie und Antikriegsfilm. Für eine Liebesgeschichte oder für ein Melodrama fehlen einfach die Zutaten.

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Es gibt Theaterstücke, die sich für eine Verfilmung eignen, zum Beispiel Ariel Dorfmans „Der Tod und das Mädchen“. „The Whale“, basierend auf einem Theaterstück von Samuel D. Hunter, hat zwar einige Vorzüge, gehört aber insgesamt nicht dazu.

Dafür ist das Drama zu künstlich, übertrieben, bemüht, hat einige Ungereimtheiten und weckt vor allem wenig Emotionen. Inhaltlich erinnert der Film an „Gilbert Grape – Irgendwo in Iowa“, der ebenfalls die Fettleibigkeit aufgrund eines Schicksalsschlags thematisiert. 

Die Geschichte

Charlie (Brendan Fraser) ist ein adipöser Dozent für Creative Writing, der seine Kurse für Studenten online abhält und dabei seinen Anblick geheim hält. Liz, die Schwester seines verstorbenen Partners und zugleich seine Krankenpflegerin, befürchtet seinen Tod innerhalb von wenigen Tagen, wenn er nicht ins Krankenhaus geht. Aber Charlie will nur noch eine Annäherung an seine 16-jährige Tochter Ellie herbeiführen, die er im Alter von acht Jahren verlassen hat. Die verhält sich beim Besuch allerdings äußerst aggressiv und ist augenscheinlich nur an seinem Geld interessiert. Auch der junge Missionar Thomas, Ex-Frau Mary und Pizzabote Dan können Charlie nicht das geben, wonach er sich sehnt: Akzeptanz und Vergebung. Erst in der Schlussszene, die nahtlos in Charlies Tod übergeht, ergreift Ellie die dargebotene Hand ihres Vaters und nennt ihn „Papa“.

Stärken

Hervorragend ist die Besetzung dieses Kammerspiels und die Ausstattung der Räume. Hier stimmt jedes Detail. Fachgerecht wird auch die Deadline in der Exposition platziert: Charlie hat noch knapp eine Woche zu leben, wenn er sein Verhalten nicht ändert. Aber sein Selbstmord auf Raten ist schon längst beschlossene Sache: „Ich bin nicht daran interessiert, gerettet zu werden.“ Auch einige Dialoge haben es in ihrer Schonungslosigkeit in sich, ebenso wie die Filmmusik, die an den Gesang der Buckelwale erinnert. Aber dann …

Schwächen

Nicht nur die heruntergelassenen Jalousien aller Räume sorgen für eine düstere Atmosphäre. Überhaupt ist alles düster. Daran ändert auch die gutgemeinte finale Annäherung zwischen Vater und Tochter nichts. Sie wird überlagert von einer beklemmenden Künstlichkeit und Übertriebenheit. In „The Whale“ ist alles ein bisschen zu viel, nicht nur Charlies Leibesumfang, sondern auch die rebellische Tochter, der hartnäckige Missionar, die verbitterte Ex-Frau usw. Überhaupt – die pubertierende Tochter. Für ihre durchweg zynischen Äußerungen fehlt eigentlich das Fundament. So etwas macht man doch nur gegenüber vertrauten Personen, also wenn im Familiensystem etwas schief läuft. Letzteres ist aber doch seit acht Jahren nicht mehr existent. Ellies Abweisung bei der Kontaktaufnahme mit ihrem Vater müsste neugierig, distanziert und kalt erfolgen. Des Weiteren enthält der Film keinerlei Gefahrenmomente, wenn man mal vom baldigen Suizid auf Raten absieht. Darüberhinaus kommt der Film auch praktisch humorfrei über die Runden. Einzige Ausnahme sind die Dialoge zwischen Ellie und dem Missionar. Ansonsten: alles ziemlich bedeutungsschwer. Auch in „The Whale“ die Frage, was das antike 4:3-Seitenverhältnis soll? Welchen erzählerischen Mehrwert hat diese Entscheidung?

Schuld

Eigentlich bringt Charlie ein paar Voraussetzungen für einen tauglichen Helden mit, zum Beispiel seine schuldhaften Verstrickungen in die Trennung von Frau und Tochter. Wie kommt es, dass diese Schuld keine Emotionen auslöst?

In Khaled Hosseini „Drachenläufer“ werden wir mit dem 10-jährigen Amir Zeuge einer Vergewaltigung seines besten Freundes. In der Folgezeit werden wir zu Mitleidenden seiner seelischen Qualen (Suspense). Amir war feige und dieses Eingeständnis wiegt schwerer als die Freundschaft. Es findet eine Synchronisation mit seinen Gefühlen statt. Wir wünschen uns sehnlichst, dass er sich seinem Vater anvertrauen möge. Stattdessen entscheidet er sich für das Lügen und Intrigieren, die den Freund und seinen Vater aus dem gemeinsamen Zuhause vertreiben. Das ist die Schuld, die Amir auf sich lädt. Das ist das Drama, das uns ins seinen Bann zieht.

Weiteres Beispiel: In Ernst Lubitschs „Der Mann, den sein Gewissen trieb“, tötet der französischer Soldat Paul im ersten Weltkrieg einen Deutschen. Die Umstände quälen ihn dermaßen, dass er Kontakt mit den Eltern des Verstorbenen aufnimmt und dort wie ein Freund behandelt wird. Wir wissen um die Hintergründe, nicht aber die Eltern (Suspense). Sein Wunsch nach Vergebung ist zum Scheitern verurteilt. Das ist das Drama, das uns auch hier gefangen nimmt.

„The Whale“ setzt acht Jahre nach den schuldhaften Verstrickungen des Protagonisten ein. Das ist der Fehler. Wir werden nicht Zeuge und Komplize seiner Gewissensqualen. Es fehlt der Suspense! Es wird nur darüber geredet, aber die Entscheidungen sind gefallen. Deshalb findet keine Synchronisation mit Charlies Gefühlen statt. Sein Wunsch nach Akzeptanz und Vergebung lässt uns kalt.

Lösungen

Die Figur des Missionars ist völlig unglaubwürdig und überflüssig. Warum sollte Thomas wieder und wieder auftauchen, wo er doch ein ums andere Mal eine Abfuhr erhält? Diese Figur entstammt nur dem intellektuellen Wunsch des Autors, den Protagonisten mit religiösen Themen zu konfrontieren. An diesen Stellen wird das ganze künstliche Konstrukt dieses Theaterstücks transparent. Dabei wäre die Lösung hier ganz einfach: Thomas müsste durch den Pizzaboten Dan ersetzt werden. Der hat nämlich einen Grund immer wiederzukommen. Das ist das Essen, das Charlie im Übermaß verschlingt. Die Diskussionen wären dann weltlicher Natur und nicht religiöser. 

Fazit

Für Aronofskys Botschaft, dass jeder Mensch – ob fett oder renitent – es wert ist, nicht aufgegeben zu werden, bedarf es eigentlich keines zweistündigen langweiligen Films. Das könnte man schlanker erledigen, vor allem spannender.

„Der große Crash“ ist eine hervorragend gemachte „True Story“, die auf dem Zusammenbruch der Lehman Brothers Investmentbank beruht.

Inszeniert wie eine spannende Dokumentation beleuchtet der Film Zusammenhänge, die Auslöser für eine der ganz großen Finanzkrisen der letzten Jahrzehnte war. Das Geschehen spielt sich kurz vor der Insolvenz, innerhalb eines Tages, weitgehend in den Räumen des Geldinstitutes ab. Dieser späte Erzählbeginn erzeugt Spannung (s. Postulat von Patricia Highsmith in „Dramaturgie“). Außerdem erweist sich auch hier die Einheit von Zeit, Ort und Handlung als großer erzählerischer Vorteil (auf Aristoteles basierende dramentheoretische Regel, s.a.: „Der Tod und das Mädchen“, „16 Blocks“ oder „Crawl“). 

Die Geschichte

Investmentbanker Eric Dale wird gefeuert. Bei seinem Weggang steckt er einem jungen Kollegen einen USB-Stick mit brisantem Material zu. Nach dessen Analyse verbergen sich hinter den geschönten Zahlen der Bank massenhaft Zertifikate mit einem sogenannten Klumpenrisiko. Der junge Broker schlägt Alarm. Sein Boss Sam Rogers (Kevin Spacey) informiert die Firmenleitung, die sofort reagiert. In nächtlichen Sitzungen beschließt man, die faulen Anleihen abzustoßen. So soll der interne Schaden, ohne Rücksichtnahme auf die Folgen für die Anleger, begrenzt werden. Sam und Eric werden mit großzügigen Gratifikationen bedacht, um moralischen Bedenken zu zerstreuen bzw. um Stillschweigen zu wahren. Am frühen Morgen stimmt Sam seine Trader auf den Ausverkauf ein. Es gelingt seiner Abteilung, über 90% dieser toxischen Zertifikate zu verkaufen.

Die Figuren

Die Schauspieler agieren allesamt hervorragend. Trotzdem kann man nicht so richtig mit ihnen mitfiebern. Woran liegt’s? Letztlich sind alle Figuren Rädchen im Finanzgetriebe, in das sie sich freiwillig begeben haben: Apostel des schnöden Mammons. Immer wieder spulen die Investmentbanker ihr Mantra ab: „Wir haben keine Wahl.“ Die hat man – mit Verlaub – aber immer, weshalb diese Behauptung übersetzt heißt: Ich will es so und nicht anders! Am Ende werden Sam und Eric großzügig abgefunden, also gekauft. Angebote, die sie nach eigenem Bekunden nicht ablehnen konnten. Da fragt man sich angesichts dieser üppigen Summen und ihres Einkommens schon, was denn das für Zwangslagen sein sollen? Eine emotionale Anteilnahme entsteht zu keiner der handelnden Personen.

Protagonist

Auch Sam, der noch am ehesten die Voraussetzungen für einen tauglichen Helden mitbringt, ist kein eindeutiger Protagonist. Das einzige Lebewesen, für das er Gefühle zeigt, ist sein todkranker Hund. Eine Nähe zu seiner Ex-Frau, zu seinem Sohn oder zu seinen Mitarbeitern existiert nicht wirklich. In den gigantischen Glaspalästen dominieren Einsamkeit und Gefühlskälte. Das ist das andere, auf den ersten Blick nicht sichtbare Krebsgeschwür. Die Gier, die Macht, die Angst, die alle im Würgegriff hat. Nur am Ende funktioniert die Metapher nicht. Da wird nur der Hund beerdigt, nicht aber die Habgier.

Antagonist

Desgleichen existiert kein eindeutiger Antagonist. CEO John Tuld ist zwar rücksichtslos, zynisch und profitgierig, aber das darf man vom Geschäftsführer eines amerikanischen Bankhauses auch erwarten. Gefahren gehen von ihm eigentlich nur für Mitarbeiter aus, die entlassen werden. Natürlich auch für geprellte Kreditnehmer und Anleger, die hier aber keine Rolle spielen. Aber Kündigungen kommt in einer Hire-and-Fire-Branche alle naselang vor, wie uns die Anfangssequenz veranschaulicht. Auch Tulds Rechtfertigungen sind nicht an den Haaren herbeigezogen: Schließlich hätten sie nur die unersättlichen Wünsche ihrer Anleger bedient. Das ist absolut richtig. Kredite sollten abgesichert sein und Erspartes kann man schließlich auch für einen niedrigen Prozentsatz bei einer Sparkasse anlegen. Die Gier ist allgegenwärtig. 

Defizite

Neben der Schwierigkeit, eine Nähe zu den Figuren aufzubauen, ist die Spannung in „Der große Crash“ rein informativer Natur. Diese Durchleuchtung von Strukturen und Machenschaften einer amerikanischen Investmentbank ist interessant, erhellend, auch faszinierend, aber nie mitreißend. Es gibt keinen Suspense. Wir wissen immer so viel oder so wenig, wie die agierenden Personen. Das ist aber kein dramatischer Vorteil, sondern ein Manko.

Lehman Pleite

Was „Der große Crash“ ausspart, sind die zum Teil ruinösen Folgen für andere Geldinstitute, Händler oder private Anleger. Das ist ungefähr so, als wenn man einen Film über den Erfinder der Atombombe dreht und dabei die verheerenden Folgen für Millionen von Menschen einfach ausklammert („Oppenheimer“). Darf man das? Kann man das einfach so machen? Eigentlich ist das fragwürdig, wenn nicht fahrlässig. Schließlich wird doch in beiden Fällen der Anspruch erhoben, wissenschaftliche bzw. ökonomische Strukturen zu durchleuchten. Dann gehören aber die desaströsen Auswirkungen dieser Erfindungen bzw. Machenschaften für andere Menschen mit ins erzählerische Portfolio. Ansonsten bleibt es bruchstückhaft.

Fazit

„Der große Crash“ ist ein hervorragend inszeniertes Finanzdrama mit Defiziten in der Figurenentwicklung und Dramaturgie. Die verheerenden Folgen dieses Finanzdebakels sind seltsamerweise nicht Gegenstand dieser Erzählung.

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