Drama

Es gibt Theaterstücke, die sich für eine Verfilmung eignen, zum Beispiel Ariel Dorfmans „Der Tod und das Mädchen“. „The Whale“, basierend auf einem Theaterstück von Samuel D. Hunter, hat zwar einige Vorzüge, gehört aber insgesamt nicht dazu.

Dafür ist das Drama zu künstlich, übertrieben, bemüht, hat einige Ungereimtheiten und weckt vor allem wenig Emotionen. Inhaltlich erinnert der Film an „Gilbert Grape – Irgendwo in Iowa“, der ebenfalls die Fettleibigkeit aufgrund eines Schicksalsschlags thematisiert. 

Die Geschichte

Charlie (Brendan Fraser) ist ein adipöser Dozent für Creative Writing, der seine Kurse für Studenten online abhält und dabei seinen Anblick geheim hält. Liz, die Schwester seines verstorbenen Partners und zugleich seine Krankenpflegerin, befürchtet seinen Tod innerhalb von wenigen Tagen, wenn er nicht ins Krankenhaus geht. Aber Charlie will nur noch eine Annäherung an seine 16-jährige Tochter Ellie herbeiführen, die er im Alter von acht Jahren verlassen hat. Die verhält sich beim Besuch allerdings äußerst aggressiv und ist augenscheinlich nur an seinem Geld interessiert. Auch der junge Missionar Thomas, Ex-Frau Mary und Pizzabote Dan können Charlie nicht das geben, wonach er sich sehnt: Akzeptanz und Vergebung. Erst in der Schlussszene, die nahtlos in Charlies Tod übergeht, ergreift Ellie die dargebotene Hand ihres Vaters und nennt ihn „Papa“.

Stärken

Hervorragend ist die Besetzung dieses Kammerspiels und die Ausstattung der Räume. Hier stimmt jedes Detail. Fachgerecht wird auch die Deadline in der Exposition platziert: Charlie hat noch knapp eine Woche zu leben, wenn er sein Verhalten nicht ändert. Aber sein Selbstmord auf Raten ist schon längst beschlossene Sache: „Ich bin nicht daran interessiert, gerettet zu werden.“ Auch einige Dialoge haben es in ihrer Schonungslosigkeit in sich, ebenso wie die Filmmusik, die an den Gesang der Buckelwale erinnert. Aber dann …

Schwächen

Nicht nur die heruntergelassenen Jalousien aller Räume sorgen für eine düstere Atmosphäre. Überhaupt ist alles düster. Daran ändert auch die gutgemeinte finale Annäherung zwischen Vater und Tochter nichts. Sie wird überlagert von einer beklemmenden Künstlichkeit und Übertriebenheit. In „The Whale“ ist alles ein bisschen zu viel, nicht nur Charlies Leibesumfang, sondern auch die rebellische Tochter, der hartnäckige Missionar, die verbitterte Ex-Frau usw. Überhaupt – die pubertierende Tochter. Für ihre durchweg zynischen Äußerungen fehlt eigentlich das Fundament. So etwas macht man doch nur gegenüber vertrauten Personen, also wenn im Familiensystem etwas schief läuft. Letzteres ist aber doch seit acht Jahren nicht mehr existent. Ellies Abweisung bei der Kontaktaufnahme mit ihrem Vater müsste neugierig, distanziert und kalt erfolgen. Des Weiteren enthält der Film keinerlei Gefahrenmomente, wenn man mal vom baldigen Suizid auf Raten absieht. Darüberhinaus kommt der Film auch praktisch humorfrei über die Runden. Einzige Ausnahme sind die Dialoge zwischen Ellie und dem Missionar. Ansonsten: alles ziemlich bedeutungsschwer. Auch in „The Whale“ die Frage, was das antike 4:3-Seitenverhältnis soll? Welchen erzählerischen Mehrwert hat diese Entscheidung?

Schuld

Eigentlich bringt Charlie ein paar Voraussetzungen für einen tauglichen Helden mit, zum Beispiel seine schuldhaften Verstrickungen in die Trennung von Frau und Tochter. Wie kommt es, dass diese Schuld keine Emotionen auslöst?

In Khaled Hosseini „Drachenläufer“ werden wir mit dem 10-jährigen Amir Zeuge einer Vergewaltigung seines besten Freundes. In der Folgezeit werden wir zu Mitleidenden seiner seelischen Qualen (Suspense). Amir war feige und dieses Eingeständnis wiegt schwerer als die Freundschaft. Es findet eine Synchronisation mit seinen Gefühlen statt. Wir wünschen uns sehnlichst, dass er sich seinem Vater anvertrauen möge. Stattdessen entscheidet er sich für das Lügen und Intrigieren, die den Freund und seinen Vater aus dem gemeinsamen Zuhause vertreiben. Das ist die Schuld, die Amir auf sich lädt. Das ist das Drama, das uns ins seinen Bann zieht.

Weiteres Beispiel: In Ernst Lubitschs „Der Mann, den sein Gewissen trieb“, tötet der französischer Soldat Paul im ersten Weltkrieg einen Deutschen. Die Umstände quälen ihn dermaßen, dass er Kontakt mit den Eltern des Verstorbenen aufnimmt und dort wie ein Freund behandelt wird. Wir wissen um die Hintergründe, nicht aber die Eltern (Suspense). Sein Wunsch nach Vergebung ist zum Scheitern verurteilt. Das ist das Drama, das uns auch hier gefangen nimmt.

„The Whale“ setzt acht Jahre nach den schuldhaften Verstrickungen des Protagonisten ein. Das ist der Fehler. Wir werden nicht Zeuge und Komplize seiner Gewissensqualen. Es fehlt der Suspense! Es wird nur darüber geredet, aber die Entscheidungen sind gefallen. Deshalb findet keine Synchronisation mit Charlies Gefühlen statt. Sein Wunsch nach Akzeptanz und Vergebung lässt uns kalt.

Lösungen

Die Figur des Missionars ist völlig unglaubwürdig und überflüssig. Warum sollte Thomas wieder und wieder auftauchen, wo er doch ein ums andere Mal eine Abfuhr erhält? Diese Figur entstammt nur dem intellektuellen Wunsch des Autors, den Protagonisten mit religiösen Themen zu konfrontieren. An diesen Stellen wird das ganze künstliche Konstrukt dieses Theaterstücks transparent. Dabei wäre die Lösung hier ganz einfach: Thomas müsste durch den Pizzaboten Dan ersetzt werden. Der hat nämlich einen Grund immer wiederzukommen. Das ist das Essen, das Charlie im Übermaß verschlingt. Die Diskussionen wären dann weltlicher Natur und nicht religiöser. 

Fazit

Für Aronofskys Botschaft, dass jeder Mensch – ob fett oder renitent – es wert ist, nicht aufgegeben zu werden, bedarf es eigentlich keines zweistündigen langweiligen Films. Das könnte man schlanker erledigen, vor allem spannender.

„Der große Crash“ ist eine hervorragend gemachte „True Story“, die auf dem Zusammenbruch der Lehman Brothers Investmentbank beruht.

Inszeniert wie eine spannende Dokumentation beleuchtet der Film Zusammenhänge, die Auslöser für eine der ganz großen Finanzkrisen der letzten Jahrzehnte war. Das Geschehen spielt sich kurz vor der Insolvenz, innerhalb eines Tages, weitgehend in den Räumen des Geldinstitutes ab. Dieser späte Erzählbeginn erzeugt Spannung (s. Postulat von Patricia Highsmith in „Dramaturgie“). Außerdem erweist sich auch hier die Einheit von Zeit, Ort und Handlung als großer erzählerischer Vorteil (auf Aristoteles basierende dramentheoretische Regel, s.a.: „Der Tod und das Mädchen“, „16 Blocks“ oder „Crawl“). 

Die Geschichte

Investmentbanker Eric Dale wird gefeuert. Bei seinem Weggang steckt er einem jungen Kollegen einen USB-Stick mit brisantem Material zu. Nach dessen Analyse verbergen sich hinter den geschönten Zahlen der Bank massenhaft Zertifikate mit einem sogenannten Klumpenrisiko. Der junge Broker schlägt Alarm. Sein Boss Sam Rogers (Kevin Spacey) informiert die Firmenleitung, die sofort reagiert. In nächtlichen Sitzungen beschließt man, die faulen Anleihen abzustoßen. So soll der interne Schaden, ohne Rücksichtnahme auf die Folgen für die Anleger, begrenzt werden. Sam und Eric werden mit großzügigen Gratifikationen bedacht, um moralischen Bedenken zu zerstreuen bzw. um Stillschweigen zu wahren. Am frühen Morgen stimmt Sam seine Trader auf den Ausverkauf ein. Es gelingt seiner Abteilung, über 90% dieser toxischen Zertifikate zu verkaufen.

Die Figuren

Die Schauspieler agieren allesamt hervorragend. Trotzdem kann man nicht so richtig mit ihnen mitfiebern. Woran liegt’s? Letztlich sind alle Figuren Rädchen im Finanzgetriebe, in das sie sich freiwillig begeben haben: Apostel des schnöden Mammons. Immer wieder spulen die Investmentbanker ihr Mantra ab: „Wir haben keine Wahl.“ Die hat man – mit Verlaub – aber immer, weshalb diese Behauptung übersetzt heißt: Ich will es so und nicht anders! Am Ende werden Sam und Eric großzügig abgefunden, also gekauft. Angebote, die sie nach eigenem Bekunden nicht ablehnen konnten. Da fragt man sich angesichts dieser üppigen Summen und ihres Einkommens schon, was denn das für Zwangslagen sein sollen? Eine emotionale Anteilnahme entsteht zu keiner der handelnden Personen.

Protagonist

Auch Sam, der noch am ehesten die Voraussetzungen für einen tauglichen Helden mitbringt, ist kein eindeutiger Protagonist. Das einzige Lebewesen, für das er Gefühle zeigt, ist sein todkranker Hund. Eine Nähe zu seiner Ex-Frau, zu seinem Sohn oder zu seinen Mitarbeitern existiert nicht wirklich. In den gigantischen Glaspalästen dominieren Einsamkeit und Gefühlskälte. Das ist das andere, auf den ersten Blick nicht sichtbare Krebsgeschwür. Die Gier, die Macht, die Angst, die alle im Würgegriff hat. Nur am Ende funktioniert die Metapher nicht. Da wird nur der Hund beerdigt, nicht aber die Habgier.

Antagonist

Desgleichen existiert kein eindeutiger Antagonist. CEO John Tuld ist zwar rücksichtslos, zynisch und profitgierig, aber das darf man vom Geschäftsführer eines amerikanischen Bankhauses auch erwarten. Gefahren gehen von ihm eigentlich nur für Mitarbeiter aus, die entlassen werden. Natürlich auch für geprellte Kreditnehmer und Anleger, die hier aber keine Rolle spielen. Aber Kündigungen kommt in einer Hire-and-Fire-Branche alle naselang vor, wie uns die Anfangssequenz veranschaulicht. Auch Tulds Rechtfertigungen sind nicht an den Haaren herbeigezogen: Schließlich hätten sie nur die unersättlichen Wünsche ihrer Anleger bedient. Das ist absolut richtig. Kredite sollten abgesichert sein und Erspartes kann man schließlich auch für einen niedrigen Prozentsatz bei einer Sparkasse anlegen. Die Gier ist allgegenwärtig. 

Defizite

Neben der Schwierigkeit, eine Nähe zu den Figuren aufzubauen, ist die Spannung in „Der große Crash“ rein informativer Natur. Diese Durchleuchtung von Strukturen und Machenschaften einer amerikanischen Investmentbank ist interessant, erhellend, auch faszinierend, aber nie mitreißend. Es gibt keinen Suspense. Wir wissen immer so viel oder so wenig, wie die agierenden Personen. Das ist aber kein dramatischer Vorteil, sondern ein Manko.

Lehman Pleite

Was „Der große Crash“ ausspart, sind die zum Teil ruinösen Folgen für andere Geldinstitute, Händler oder private Anleger. Das ist ungefähr so, als wenn man einen Film über den Erfinder der Atombombe dreht und dabei die verheerenden Folgen für Millionen von Menschen einfach ausklammert („Oppenheimer“). Darf man das? Kann man das einfach so machen? Eigentlich ist das fragwürdig, wenn nicht fahrlässig. Schließlich wird doch in beiden Fällen der Anspruch erhoben, wissenschaftliche bzw. ökonomische Strukturen zu durchleuchten. Dann gehören aber die desaströsen Auswirkungen dieser Erfindungen bzw. Machenschaften für andere Menschen mit ins erzählerische Portfolio. Ansonsten bleibt es bruchstückhaft.

Fazit

„Der große Crash“ ist ein hervorragend inszeniertes Finanzdrama mit Defiziten in der Figurenentwicklung und Dramaturgie. Die verheerenden Folgen dieses Finanzdebakels sind seltsamerweise nicht Gegenstand dieser Erzählung.

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„Das Spiel der Macht“ ist ein handwerklich herausragend gestaltetes Drama.

Das Geschehen ist in Louisiana in den 50er Jahren des letzten Jahrhunderts angesiedelt und handelt vom Aufstieg und Fall des demokratischen Politikers Willie Stark (Sean Penn). Der inszeniert sich als Anwalt der Armen und Schwachen und kann so die Massen mobilisieren. Die ganze Besetzung, von der illustren Schauspielerriege bis hin zu den kleinsten Nebenrollen ist einfach brillant. Die Kameraarbeit von Pawel Edelman ist ein Kunstwerk. Er stammt von der seinerzeit besten Filmhochschule der Welt, aus dem polnischen Lódz, und hat viel mit Roman Polanski gedreht. Die Dialoge haben es in sich. Kein Zweifel, hier waren Könner am Werk.

Romanverfilmung

Sehr schön ist auch die innere Stimme des Ich-Erzählers, des Journalisten Jack Burden (Jude Law), der auf literarische Weise die Innenwelten der Figuren ausleuchtet. An diesen Stellen wird deutlich, dass erst sich hier um eine Romanverfilmung handelt, nämlich um „All the King’s Men“ von Robert Penn Warren, für den er seinerzeit den Pulitzer-Preis erhalten hat.

Dramaturgie

Die Verfilmung leidet unter einer mangelnden Konzentration. Neben den politischen Machenschaften wird noch ein klassisches Erzählmotiv angerissen, nämlich „Die unmögliche Liebe“. Leider wird die unerfüllte Leidenschaft von Jack zu seiner Jugendliebe Anne Stanton nur am Rande behandelt. Ihr Scheitern liegt auch nicht an den äußeren Umständen, wie bei „Romeo und Julia“ zum Beispiel, sondern an der Glorifizierung seines Bildes einer unbefleckten Liebe.

Dann ist da noch Jacks Freundschaft zu Annes Bruder, dem Arzt Dr. Adam Stanton. Auch zu ihm hatte Jack einst eine innige Beziehung. Nun benutzt er ihn für Willies politische Ränkespiele. Anne beschreibt Jack ihren Bruder folgendermaßen: „Er ist immer noch der selbe Idealist, der du früher warst“. Des Weiteren wird eine Vater-Sohn-Geschichte erzählt, nämlich die Beziehung von Jack zu seinem Ziehvater Richter Irwing, den er ungewollt in den Selbstmord treibt. Das allein hätte schon genügend Stoff für ein abendfüllendes Drama geboten. All diese aufgeführten dramatischen Ereignisse rufen allerdings keinerlei Gefühle hervor. Woran liegt’s?

Protagonist

Der gravierendste Fehler in „Das Spiel der Macht“ liegt in der Unentschlossenheit der Charakterisierungen. Wer ist eigentlich der Held? Jack Burden oder der Robin-Hood-Verschnitt Willie Stark? Damit fängt’s an. Die innere Stimme des Ich-Erzählers deutet auf Jack hin. Er ist ein kühler, desillusionierter, teilweise zynischer, gutaussehender Journalist. Er wandelt Whiskey trinkend und wie ein zufällig anwesender Beobachter („ich beobachte lieber aus der Ferne“) durchs Geschehen, dem irgendwann seine Ideale abhanden gekommen sind. Das mag sein Interesse an Willie erklären, an seiner Empathie, seiner Authentizität und seinen scheinbar hehren Absichten. Jacks Wahlkampfhilfe wirkt wie eine Art Therapie: Kann Willie mir etwas zurückgeben, was irgendwann auf der Strecke geblieben ist? Nein, kann er nicht.

Emotionen

Zweimal zeigt Jack emotionale Reaktionen. Einmal als er gegenüber Richter Irwing belastendes Material zurückhält. Ein zweites Mal als seine Jugendliebe Anne ihn nach ihrer Affäre mit Willie aufsucht. Da fällt die Maske: „Wie konntest du mir das antun?!“ Da bricht alles aus ihm heraus. Es ist ein Eingeständnis seiner gefühlsmäßigen Unfähigkeit, das Bedauern verpasster Chancen, für die es keine Korrekturen gibt. Man kann nicht wirklich eine Nähe zu ihm aufbauen. Letztlich lässt einen das ganze Geschehen irgendwie unbeteiligt zurück. Jack durchläuft auch keine Entwicklung und zeigt keinerlei Schuldgefühle nach dem Suizid seines Ziehvaters, was die Distanz manifestiert. Der durchtriebene, bauernschlaue Willie wäre der tauglichere Held gewesen.

Konstruktionen

Die jahrzehntelang zurückliegende Korruptionsaffäre, in die Richter Irwing verwickelt war, wirkt schon arg konstruiert. Sie bestätigt letztlich Willies simples Weltbild, demnach jeder Dreck am Stecken hat: „Der Mensch stinkt sich durchs Leben, von der Windel bis zum Grab“. Viel glaubhafter und passender zu den politischen Machenschaften wäre es gewesen, wenn der Richter tatsächlich eine saubere Weste gehabt hätte. Er ist auch gar nicht der Typ für derart krumme Touren. Nein, ein Gerücht wäre die Lösung gewesen. Also eine Konstruktion, der man nur allzu gerne Glauben schenkt. Anstelle der Wahrheit hätte ihm die Unwahrheit das Genick brechen sollen. 

Showdown

Noch gravierender ist das konstruierte Finale. Das Motiv für den Attentäter Adam Stanton ist ein Gerücht, nämlich dass seine Schwester eine Affäre mit Willie eingegangen ist, um ihm die Leitung eines neuen Krankenhauses zuzuschanzen. Hmm? Das ist ziemlich schwach und nicht wirklich glaubhaft. Da hätte man schon eine krankhafte Geschwisterliebe – also Eifersucht – als Motiv herausarbeiten müssen. So wirkt das Ganze sehr inszeniert und plakativ, was ja auch die ästhetischen Schlussbilder mit zwei Leichen inmitten der kreisrunden Insignien des Staates Louisiana zeigen.

Fazit

In „Das Spiel der Macht“ kann die herausragende handwerkliche Gestaltung nicht über gravierende Mängel in der Dramaturgie und der Figurenentwicklung hinwegtäuschen.

„All the King’s Men“ von Robert Penn Warren, neu bei bücher.de für 19,99 Euro

„All the King’s Men“ von Robert Penn Warren, gebraucht bei medimops

Auch „Vergiftete Wahrheit“ von Todd Haynes orientiert sich an einer wahren Begebenheit und wird, ähnlich wie „Philomena“ von Stephen Frears oder der unsäglich langweilige „One Life“, zum Opfer seiner guten Absichten.

Der Film beruht auf einem Bericht von Nathaniel Rich im New York Times Magazine und erzählt den Kampf des Anwalts Robert Bilott gegen den Pharmakonzern DuPont in West Virginia. Dieser hatte in den 80er Jahren Perfluoroctansäure (PFOA) in den Ohio River geleitet, damit wissentlich das Trinkwasser kontaminiert und zigtausende von Menschen vergiftet. Auch Todd Haynes unterliegt dem Fehler, sich eng an die Begebenheiten zu halten, die sich zudem über Jahrzehnte hinziehen und sich nicht wirklich für eine Verfilmung eignen. Alles ist interessant oder auch erhellend, aber nie packend. 

Stärken

Mit seiner ruhigen, etwas behäbigen Art erinnert Rob Bilott an Columbo. Man macht den Fehler, ihn zu unterschätzen. Aber er ist kompetent, hartnäckig, gründlich und nicht korrumpierbar. Wir können mit ihm sympathisieren, zumal es ein Kampf David gegen Goliath ist. Überhaupt sind alle Schauspieler, von den Farmern bis hin zu den Top-Anwälten, hervorragend besetzt. In seinen besten Momenten funktioniert „Vergiftete Wahrheit“ wie ein Krimi und Rob agiert wie ein Kommissar, der beharrlich die Puzzleteile eines Verbrechens zusammenträgt und am Schluss Anklage erhebt.

Schwächen

Ein großes Manko sind die fehlenden Gefahren. Einmal scheut Rob sich davor, die Zündschlüssel seines Wagens herumzudrehen. Eine Sprengladung? Aber dafür ist der Antagonist zu clever. Er ist nie wirklich greifbar, ein Phantom. Seine Schandtaten hat er bereits vollbracht. Nun ist er mit Vertuschung und Schadensbegrenzung beschäftigt und hat dafür gigantische finanzielle Mittel. DuPont ist eben nicht „Der weiße Hai“. Leider. Einmal wird Rob wegen gesundheitlicher Probleme ins Krankenhaus eingeliefert. Aber er erholt sich schnell wieder und Frau und Chef stehen an seiner Seite. Das ist schön, aber nicht spannend.

Protagonist

Im Grunde macht Rob alles richtig. Das ist lobenswert, aber auch nicht dramatisch. Er ist der Anwalt der Unterdrückten, der Geschädigten – ein guter Mensch, aber auch ein bisschen langweilig. Der Ehekonflikt ist vergleichsweise harmlos. Die Klagen seiner Frau über sein berufliches Überengagement sind im Grunde eine Liebeserklärung. Da geht es dem Whistleblower Jeffrey Wigand in „Insider“ von Michael Mann schon wesentlich schlechter. Seine Ehefrau reicht nämlich die Scheidung ein. Auch in „American Sniper“ von Clint Eastwood, ebenfalls nach einer wahren Begebenheit, wird das Eheleben hervorragend dramatisiert.

Fazit

Der eigentliche Skandal ist die Strafe, die DuPont für jahrzehntelange vorsätzliche schwere Körperverletzung mit Todesfolgen erhalten hat: Insgesamt mussten 1,1 Milliarden Dollar an Entschädigungen gezahlt werden. Das entspricht in etwa dem Gewinn nur der Teflon-Sparte, die der Konzern seinerzeit in einem Jahr erzielt hat! Anschließend hat der Konzern seine Spuren verwischt, sich in Dow Chemical umbenannt, die Agrarabteilung in Corteva. Heute firmiert der Konzern unter dem Namen „DuPont de Nemours“.

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„Die Saat des heiligen Feigenbaums“ ist ein über weite Strecken packendes Familiendrama. Es spielt in Teheran zur Zeit der landesweiten Proteste im Zuge der von der Sittenpolizei festgenommenen und in der Haft verstorbenen Kurdin Mahsa Amini.

Der Film zeigt eindrucksvoll, was staatliche Repression mit den Menschen macht. Sie sind Gefangene eines brutalen Machtapparats, der jegliche Opposition im Keim erstickt und dabei vor Gewalt nicht zurückschreckt. Zusätzlich wird ein klassisches Erzählmotiv etabliert: der Verdacht. Dieser resultiert aus dem Verschwinden der Dienstwaffe von Ermittlungsrichter Iman, der mit seiner Frau Najmeh sowie den Töchtern Rezvan und Sana in einer kleinen Wohnung lebt. Die Atmosphäre wird zunehmend beklemmender, klaustrophobischer. Auch in den eigenen vier Wänden traut bald niemand mehr dem anderen, außerhalb sowieso nicht mehr. Im Schlussdrittel mutiert das Drama zum Psychothriller.

Stärken

Der Film liefert hautnahe Einblicke in eine fremde, hier repressive Kultur. Sehr schön ist die Konzentration auf die vier Protagonisten, allesamt hervorragende Schauspieler. In den Nahaufnahmen haben wir Gelegenheit, unsere Gefühle zu synchronisieren. Die Konflikte werden vorbildlich eskaliert und dramatisiert. Die Eingeschlossenheit der Familie  schafft eine beklemmende Atmosphäre. Ständig werden Geheimnisse ausgetauscht, wird jemand gebeten, nichts zu verraten. Dabei ist der Verrat schon längst Bestandteil des privaten und beruflichen Lebens. Sehr überzeugend wird auch Najmehs Lavieren zwischen Ehemann und Töchtern beschrieben. Bis zum Schluss versucht sie zwischen beiden Lagern zu vermitteln und die Familie zusammen zu halten. Dabei schenken ihre Töchter der Propaganda des Regimes schon längst keinen Glauben mehr. „Alles gelogen“, klärt Rezvan ihren Vater beim gemeinsamen abendlichen Fernsehgucken auf. Überhaupt sind die rebellierenden Töchter ein Highlight des Films. Fassungslos nimmt Iman zur Kenntnis, dass seine Jüngste sich die Haare blau färben und die Fingernägel lackieren will.

Ungereimheiten

Völlig unglaubwürdig ist das Verhalten der ca. 15-jährigen Sana, die den Diebstahl von Imans Dienstwaffe verschweigt. Die würde aber beim ersten moralischen Druck – immerhin steht hier nicht mehr und nicht weniger als die Existenz der Familie auf dem Spiel – wohl in Tränen ausbrechen und gestehen. Ausgespart bleibt auch ihr Tatmotiv. Wieso haben die Töchter bis zur Ernennung ihres Vaters zum Ermittlungsrichter keine blasse Ahnung von dessen beruflicher Tätigkeit? Wieso befinden sich eigentlich Imans Adresse und persönliche Kontaktdaten plötzlich im Internet? Wer steckt hinter dieser Veröffentlichung? Wieso hat Sana am Ende plötzlich elektrotechnische Fähigkeiten und kann in der Dunkelheit mehrere Außenlautsprecher an einen Verstärker anschließen?

Redundanz

Mit fast drei Stunden Länge ist „Die Saat des heiligen Feigenbaums“ viel zu lang geraten. Immer wieder gibt es Szenen ohne erzählerische Mehrwert. Da wird Iman minutenlang von seiner Frau frisiert. Wiederholt dürfen wir ihm beim An- und Auskleiden oder beim Autofahren zusehen. Da kramt Sana beim Showdown im Nachbarhaus ausgiebig in einer Sammlung von Musikkassetten herum. Das anschließende Katz- und Mausspiel in den Ruinen verlassener Lehmbauten ist artifiziell und überflüssig.

Entwicklungen

Während Najmehs bröckelnde Loyalität gegenüber ihrem Ehemann sehr schön skizziert wird, gerät Imans Entwicklung zum Psychopathen ziemlich unglaubwürdig. Das ist schon eine Mutation, die zuvor durch nichts angedeutet wird. Da hätte seine Wandlung von „Liebes“ zu „Zwing mich nicht, dich zu schlagen“ schon brüchiger gestaltet werden müssen.

Lösungen

Weg mit der Dienstwaffe. Sie dient nur einem Rätselspiel, das die innere Zerrissenheit der Familie transparent machen soll. Mit gutem Grund hatte Alfred Hitchcock Vorbehalte gegenüber derartigen Rätselspielen (Whodunits). Die Zerrissenheit hätte man aber viel intensiver mit Imans innerem Konflikt verdeutlichen können. Sein erster Fall hätte nämlich eine Verurteilung von Rezvans inhaftierter Freundin Sadaf sein können. Dieser innere Konflikt wäre vergleichbar gewesen mit Justin Kemps Zwiespalt in Clint Eastwoods „Juror #2“: Unterzeichnet Iman das Todesurteil für Sadaf, verrät er seine Prinzipien und macht sich schuldig am Tod eines unschuldigen Menschen. Andererseits gefährdet er die Existenz seiner geliebten Familie. Das wäre das größtmögliche Drama gewesen. Das hätte Rasulof durchspielen müssen: Der Vater, der die Freundin seiner Tochter auf dem Gewissen hat. 

Drama

Diesem Drama hätte auch eine Hoffnung innegewohnt. Iman hätte nämlich beim nächsten von der Staatsanwaltschaft eingefordertem Todesurteil seine Unterschrift verweigern können. Das hätte mindestens seine Entlassung zur Folge gehabt. Er hätte dann seine Familie mit einem Brotjob durchbringen müssen. Seine für hiesige Verhältnisse verwöhnten Frauen hätten dann ein bisschen kürzer treten müssen. Das wäre aber okay gewesen, denn schließlich haben sie seine zweifelhaften beruflichen Tätigkeiten jahrzehntelang stillschweigend mitgetragen. Dieser Neuanfang wäre auch eine Chance gewesen. Es hätte gezeigt, dass die Handlanger eines brutalen Regimes auch Menschen sind. Insofern ist das Ende von „Die Saat des heiligen Feigenbaums“ auch ein stückweit verlogen: Er simplifiziert und glorifiziert den Kampf der Frauen gegen ihren Unterdrücker, ohne Lösungen aufzuzeigen.

Fazit

Insgesamt hat Mohammad Rasulof ein spannendes Familiendrama erzählt, aber dabei viel Potenzial verschenkt. Ein Ärgernis sind die Überlänge und die handwerklichen Defizite.

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