Tragikomödie

„Umweg nach Hause“ ist eine kleine Independent-Perle, die sich ganz auf seine originellen Helden konzentriert.

Drehbuchautor und Regisseur Rob Burnett hat mit „Umweg nach Hause“ einen Roman von Jonathan Evison adaptiert. Ohne Schnickschnack erzählt er die Geschichte zweier Männer, des heranwachsenden 18-jährigen, im Rollstuhl sitzenden Trevor (genial: Craig Roberts) und des traumatisierten Schriftstellers Ben (Paul Rudd). Die Konzentration dieser Tragikomödie kann man auch an der klassischen Spielfilmlänge von 90 Minuten ablesen.

Die Geschichte

Schriftsteller Ben hat, wie sich später herausstellt, seinen kleinen Sohn bei einem Verkehrsunfall verloren. Um wieder ins Leben zurückzufinden, absolviert er eine Fortbildung als Pflegekraft. Sein erster Patient ist Trevor, der an einer Muskelkrankheit leidet. Gleichwohl hat der Junge es faustdick hinter den Ohren und provoziert Ben ein ums andere Mal. Der braucht ein wenig, um sich in seiner neuen Rolle zurechtzufinden, aber dann bietet er Trevor Paroli und fordert ihn heraus. Der Traum des Jungen ist es nämlich, mal zum tiefsten Loch der Welt zu fahren und im Stehen zu pinkeln.

Roadmovie

Also überredet Ben ihn zu einer Reise in Mamas Van. Unterwegs gabeln sie die Tramperin Dot (Selena Gomez) auf, mit der Trevor sich anfreundet und sein erstes Date hat. Dann nehmen sie noch die hochschwangere Peaches mit, die mit einer Autopanne liegen geblieben ist. Ein Abstecher zu Trevors leiblichem Vater endet mit einer Enttäuschung. Endlich am Ziel ihrer Reise entpuppt sich das tiefste Loch als ein mit Wasser gefüllter Krater. Bei Peaches setzen die Wehen ein und Ben kann sich als Geburtshelfer bewähren. Mutter und Baby werden ins Krankenhaus gebracht, Dot von ihrem Vater abgeholt. Mit einem Trick gelingt es Ben, Trevor an eine Trage zu schnallen, so dass er endlich mal im Stehen pinkeln kann. Nach ihrer Rundreise fängt Ben wieder an zu schreiben und Trevor provoziert erfolgreich seine nächste Pflegekraft, die entsetzt das Weite sucht.

Figuren

Eigentlich wird hier die Begegnung von zwei Paralysierten erzählt. Der eine ist mehr physisch beeinträchtigt, der andere psychisch. Ben will die Scheidungspapiere, mit denen seine Ex-Frau ihn bedrängt, nicht unterschreiben. Zu sehr belasten ihn die Schuldgefühle am Unfalltod seines kleinen Sohnes. „Ich bin noch nicht so weit“, ist das Mantra, mit dem er seine Frau und den von ihr beauftragten Anwalt hinhält. Einfach herausragend spielt Craig Roberts den trotzigen und verletzten Jungen, der Zeit seines Lebens an einen Rollstuhl gefesselt ist und eine überschaubare Lebenserwartung hat. „Nenn mir eine Zahl zwischen 1 und 3.500?“, ist eines seiner bevorzugten Rätselspiele. Das errät natürlich niemand, außer Dot, aber da ist der Treffer wahrscheinlich vorgetäuscht. Eins zu Dreitausendfünfhundert ist nämlich die Wahrscheinlichkeit, dass ein Mensch seine Krankheit (Muskeldystrophie Duchenne) erleidet. Trevors schwarzhumorige Provokationen erinnern an die Schein-Suizide des Protagonisten in „Harold und Maude“ von Hal Ashby. In jedem Fall lassen sie keine Schwermut aufkommen.

Stärken

Es gibt zwar keinen Suspense, aber immer wieder Überraschungen, die es in sich haben. Da sind zum Beispiel die Streiche des Jungen oder die vielen Briefe des Vaters, die Trevor allesamt nicht beantwortet hat. Die stammen allerdings, wie sich später herausstellt, gar nicht vom Vater, sondern von seiner Mutter. Sie will damit ein emotionales Verständnis für die Flucht des Vaters erzielen, ein Verzeihen ermöglichen und Hassgefühlen vorbeugen. Auch das ist eine schöne Idee. Den Verfolger bei ihrer Rundreise hält Ben für den beauftragten Anwalt seiner Ex-Frau. Aber der entpuppt sich als Dots Vater, der sich Sorgen um seine Tochter macht. Die Dialoge sind sarkastisch, schwarzhumorig und schonungslos. Die Protagonisten schenken sich nichts. Gut so. Trevor: „Wie würdest du mir den Arsch abwischen?“ Ben überlegt, bevor er antwortet: „In jedem Fall würde ich ihn so abwischen, dass keine Scheiße übrig bleibt.“ Damit ist er eingestellt.

Schwächen

Überflüssig ist die Figur der Peaches. Sie hat eigentlich keine Handlungsrelevanz. Die Geburtshilfe am tiefsten Loch der Welt wirkt ein bisschen konstruiert. Ben muss hier keinen Lebensretter spielen, um seine Schuld abzutragen. Er hat auf andere Weise Leben und Hoffnung verbreitet. Eine interessantere Frage ist, wie man das Roadmovie etwas dramatischer hätte gestalten können. Einmal wird angedeutet, dass der Van einen technischen Defekt hat oder Ben die lebenswichtigen Hilfsmittel und Medikamente im letzten Hotel vergessen hat. Aber beide Hindernisse verflüchtigen sich und damit auch die lebensbedrohlichen Konsequenzen.

Fazit

Am Ende hat nicht nur dieser „Umweg nach Hause“ beide Protagonisten bereichert, auch die Zuschauer. Ein schöner, kleiner Film, der unterhaltsam ist, zum Nachdenken anregt und Hoffnung macht.

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„Perfect Days“ ist ein ruhiger, ganz auf seinen Protagonisten konzentrierter Film über den Alltag eines Tokioer Toilettenmannes.

Inhaltlich erinnert er damit an Murnaus Meisterwerk „Der letzte Mann“, ein Stummfilm über die Degradierung eines Berliner Hotelportiers zum Toilettenmann. „Perfect Days“ hat eine – gerade zum Ende hin – positive Grundstimmung und tut niemandem weh. Aber das war’s dann auch mit den Vorzügen. Ansonsten dominiert eine spirituell angehauchte Künstlichkeit das langweilige Geschehen.

„Die Geschichte“

Eine Geschichte im klassischen Sinn existiert nicht. Es gibt wiederkehrende Rituale und Anekdoten aus dem privaten und beruflichen Alltag des ca. 60-jährigen Hirayama. Der säubert und wartet zum Teil exotische Bedürfnisanstalten in einem besseren Stadtteil von Tokio. Darin eingebettet sind vier Episoden: Zum einen wird Hirayama mit einem jüngeren Kollegen gezeigt, dem er Geld für ein Date leiht. Das sieht er genauso wenig wieder wie seinen Kollegen, der irgendwann unvermittelt kündigt. Dann lässt Hirayama sich mit einem auf einer Toilette versteckten Zettel auf ein Tic-Tac-Toe-Spiel ein. Seine Mitspielerin könnte eine fremde Frau sein, die neben ihm auf einer Parkbank ihr Essen verzehrt. Als Drittes taucht Hirayamas jugendliche Nichte Niko unvermittelt bei ihm zu Hause auf. Die ist von zu Hause durchgebrannt und begleitet ihren Onkel die nächsten Tage bei seiner Arbeit, bis sie von ihrer Mutter wieder abgeholt wird. Die vierte Anekdote erzählt von Hirayamas Sympathien für die Restaurantbesitzerin Mama, die am Schluss Besuch von ihrem Ex-Mann bekommt. Im ersten Moment zieht Hirayama sich verschämt und eifersüchtig zurück. In einer finalen Begegnung wird er allerdings vom Ex-Mann über dessen Krebserkrankung aufgeklärt. Der Todkranke gibt Hirayama den Auftrag, sich in der Zukunft um Mama zu kümmern.

Schwächen

Im Grunde erfahren wir sehr wenig bis gar nichts über unseren Helden. Das ist schon bemerkenswert angesichts der szenischen Fokussierung. Einmal versucht sein jüngerer Kollege, ihn über sein Alleinsein auszufragen, was Hirayama ignoriert. Ein anderes Mal regt seine Schwester an, den gemeinsamen Vater im Pflegeheim zu besuchen. Da schaut unser Held nur beschämt zu Boden. Welche Ursachen die Distanz hat, bleibt sein Geheimnis, ebenso die Hintergründe seines Singledaseins und seiner Kinderlosigkeit. Unklar bleiben auch seine Gefühle, die mit diesen Lebensumständen verknüpft sind: Leidet er unter der Einsamkeit, Trennungen, verpassten Chancen? Wim Wenders interessiert sich nicht wirklich für das Leben seines Helden. Er bleibt an der Oberfläche. Interessanter scheinen für ihn die exotischen Toilettenhäuser, die Musik, die Fotografie, die Bücher, die Licht- und Schattenspiele zu sein. Ein kleines Detail verdeutlicht diesen Sachverhalt: Gelegentlich werden Hirayamas Träume visualisiert, in schwarzweiß. Aber auch da erfahren wir nichts über seine Vorgeschichte, über seine Sorgen oder gar Qualen. Dafür gibt es manierierte Doppelbelichtungen mit Licht- und Schattenspielereien zu sehen. Immer wieder die Frage: Was soll das? Emotionen oder gar Spannung können so aber nicht entstehen. 

Konzentration

So wie Wenders sich in den Szenen auf seinen Protagonisten konzentriert, hätte er es auch mit seinen Anekdoten handhaben sollen. Anstelle von vier oberflächlich behandelten Episoden wäre eine Fokussierung die Lösung gewesen. Tauglich ist eigentlich nur die Ausreißergeschichte, quasi eine Variante von Mike Mills’ „Come on, Come on“ (macht man sich eigentlich in Japan nicht auch strafbar, eine jugendliche Ausreißerin aufzunehmen, ohne Eltern oder Behörden zu informieren?). Dann natürlich die Liebesgeschichte zur Restaurantbesitzerin Mama. Das wäre dann eine Dreiecksgeschichte gewesen, zum Beispiel im Stile des sehr konzentrierten „Two Lovers“ von James Gray. Dann hätte Wenders auch ein Erzählmotiv gehabt, was immer ein großer dramatischer Vorteil ist. So leider nicht.

Kulturtourismus

Was wollen deutsche Regisseure eigentlich in exotischen Ländern (s.a. Doris Dörrie mit „Kirschblüten – Hanami“)? Sind sie die besseren Beobachter, gerade weil sie aus der Fremde kommen? Hat nicht der Brite Alan Parker mit „Mississippi Burning“ einen schonungsloseren, unverfälschteren Beitrag zur US-amerikanischen Rassentrennung abgeliefert als die einheimischen Filmemacher (s.a. „The Help“ von Tate Taylor oder „Die Farbe Lila“ von Steven Spielberg)? Aber dafür müsste man sich schon mehr für seine Figuren und ihre Konflikte interessieren, die Voraussetzungen für eine funktionierende Filmerzählung. Gibt es auf der anderen Seite ausländische Regisseure, die ihre Filmerzählungen in Deutschland ansiedeln? Außer Nazischinken oder Spionagefilmen – meist noch zu Zeiten des Eisernen Vorhangs – fällt einem da nichts ein. Also warum hat Wim Wenders keinen Film über einen deutschen Toilettenmann gedreht, so wie Murnau es getan hat? Warum dieser Ausflug in fernöstliche Gefilde?

Fazit

Unterm Strich ist mit „Perfect Days“ das Artefakt einer exotischen Welt entstanden, die nicht zeigt wie sie ist, sondern wie Wim Wenders sie sich mit all seinen Vorlieben ausgedacht hat. Ein alles andere als perfektes Werk.

„Toy Boy“ ist eine amouröse Tragikomödie mit satirischen und erotischen Elementen.

Für einen US-amerikanischen Spielfilm ziemlich freizügig, aber David MacKenzie („Hell or High Water“) ist ja auch Brite. Erzählt wird eine ganz einfache Geschichte, die sich voll und ganz auf seinen Helden konzentriert, den attraktiven „Toy Boy“ Nikki (Ashton Kutcher). Die Fokussierung ist nur einer ihrer Vorzüge. Eigentlich handelt es sich um eine Dreiecksgeschichte. Von weiblicher Seite sind die wohlhabende Anwältin Samantha (Anne Heche) und die Kellnerin Heather (Margarita Levieva) mit im Spiel. Behandelt werden existenzielle Fragen: Karriereplanung? Das Streben nach Geld und materiellem Wohlstand? Sex? Liebe? Wie werden Entscheidungen beeinflusst und getroffen?

Die Geschichte

Los Angeles. Auf einer Party spricht der attraktive Nikki die wohlhabende Anwältin Samantha an. Nach einer gemeinsamen Nacht nistet er sich bei ihr ein, während sie arbeiten geht. Längere Abwesenheiten nutzt er für ausschweifende Poolpartys oder zu Liebesabenteuern. Nur die attraktive Kellnerin Heather zeigt ihm die kalte Schulter. Nach einem Streit mit Samantha verlässt Nikki ihr Luxusapartment. Vergeblich sucht er Unterschlupf bei Freunden oder Bekannten. Nachdem er zufällig Heather wieder begegnet, freundet er sich mit ihr an. Zu seinem Erstaunen stellt er fest, dass sie sich genauso von Männern aushalten lässt wie er vom weiblichen Geschlecht. Zum ersten Mal in seinem Leben verliebt Nikki sich ernsthaft in eine Frau. Doch Heather ist bereits verlobt und kehrt nach New York zurück. Nikki folgt ihr, um sie umzustimmen, aber Heather entscheidet sich gegen ihre Gefühle für ihn und für die Ehe mit einem reichen Mann. Nikki kehrt nach L.A. zurück, schlüpft bei seinem Kumpel Harry unter und nimmt einen Fahrerjob bei einem Lieferservice an.

Protagonist

Nikki charakterisiert sich selbst folgendermaßen: „Ich will ja nicht arrogant sein aber ich bin ein verdammt attraktiver Mann“. Die sofort eingeführte innere Stimme des Helden stellt eine Nähe zu seiner Befindlichkeit her. Die Konzentration auf seine Person zeigt sich auch daran, dass er praktisch in jeder Einstellung präsent ist. Nikki ist nicht nur ansehnlich, er ist auch immer zu sehen. Dabei gibt er eine ziemlich ambivalente Figur ab: Einerseits arrogant, unzuverlässig, oberflächlich, beziehungsunfähig, nicht alltagstauglich, nie um eine Ausrede verlegen, andererseits ist er witzig, hat etwas Kindliches und Verspieltes und zeigt sich auch empfindsam und entwicklungsfähig. Einerseits nutzt er Frauen schamlos aus, andererseits ist er nie grob zu ihnen, kann manchmal auch richtig zärtlich sein. Einmal empört er sich nach einem Besuch im Stripclub bei seinem besten Freund Harry: „So kann man eine Frau doch nicht behandeln!“ 

Frauen

Bei der Kontaktaufnahme mit Frauen gibt es für den „Toy Boy“ nur einen Anmachspruch: „Wie heißt du?“ Das signalisiert Interesse am Gegenüber, auch wenn es für Nikki dabei in erster Linie um Grundbedürfnisse wie Sex, ein Dach über dem Kopf und Essen geht. Aber die gesellschaftlichen Stellung würde er bei der Kontaktaufnahme nie ausloten. Die identifiziert er so. Also ein „Was machst du so?“ ist nicht sein Ding. Im Grunde ist Nikki ein Hallodri, ein Nichtsnutz, der keinen wirklichen Plan hat und sich treiben lässt. Damit verkörpert er eine Art Gegenmodell zu gesellschaftlichen Normen: Ausbildung, Karriere, Geldmachen. Das interessiert ihn alles nicht. In gewisser Hinsicht ist Nikki also auch ein Rebell – jedenfalls eine interessante Figur, die man so schnell nicht vergisst.

Dramaturgie

Es gibt einige Überraschungen und Wendungen. Nach einem Streit will Samantha ihn schon aus ihrem Luxusapartment werfen. Aber Nikki kann sie mit seinem Charme wieder umstimmen, um dann selbst das Feld zu räumen. Schließlich hat er noch ein bisschen Ehrgefühl. Das bringt ihn aber erst richtig in Schwierigkeiten. Seine Versuche, bei Freunden unterzuschlüpfen, scheitern. Selbst seine Mutter will nichts mehr mit ihm zu tun haben. Dieser Moment totaler Einsamkeit ist sehr schön retardiert. Nikki hängt praktisch auf der Straße. Die zufällige Wiederbegegnung mit Heather ist natürlich ein dramaturgischer Schwachpunkt. Sehr schön ist aber dann die Entwicklung ihrer Liebesbeziehung, die ihn nach und nach wieder in die Spur bringt. Sehr schön ist auch die Ironie, die diese Liaison am Ende in petto hat: Als Nikki endlich bereit ist, Verbindlichkeiten einzugehen, verliert er Heather. Das ist das Drama. Sie scheint ihre Gefühle zu verraten und ihr Bedürfnis nach materieller Sicherheit zu priorisieren: „Ich brauch das hier“. Aber vielleicht ist Heather auch nur klug und vorausschauend? Sie weiß, dass Nikki ein Träumer ist und im Überlebenskampf ihre Gefühle auf der Strecke bleiben könnten. Also genauso wie Francesca in „Die Brücken am Fluss“ sich gegen die Liebe ihres Lebens entscheidet.

Fazit

Auch wenn am Ende jeder der Protagonisten mehr oder weniger alleine bleibt, hat der Film eine schöne Grundstimmung, wozu auch die Filmmusik ihren Beitrag leistet. Außerdem gibt es Hoffnung, denn es sieht so aus, dass Nikki langsam erwachsen wird. Zum ersten Mal in seinem Leben hat der Taugenichts einen Brotjob angenommen. Außerdem hält Kumpel Harry zu ihm, der ihn nach einem Streit wieder bei sich aufnimmt. Scheint so, dass Männerfreundschaften in Nikkis Leben mehr Bestand haben als seine Beziehungen zu den Frauen. Insgesamt ist „Toy Boy“ eine kurzweilige Tragikomödie, die zum Nachdenken anregt.

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Mike Mills ist der „Franzose“ der amerikanischen Filmregisseure. Auch in „Come on, Come on“ legt er den Fokus auf zwischenmenschliche Beziehungen und schafft es, uns für seine Figuren einzunehmen.

Es sind die ganz alltäglichen Dinge, mit denen er uns auf kluge und unterhaltsame Weise in den Bann zieht. Mit herausragenden Schauspielern schafft Mike Mills in seiner Tragikomödie den Spagat zwischen Ernsthaftigkeit und Leichtigkeit. Allerdings: Der Spannungsaufbau ist nicht seine Sache.

Die Geschichte

Johnny (Joaquin Phoenix) ist ein Radiojournalist in New York und arbeitet an einer Sendereihe mit Kindern und Jugendlichen, die er zu ihren Vorstellungen von der Zukunft befragt. Seine alleinerziehende Schwester Viv (Gaby Hoffmann) lebt in Los Angeles und sucht für eine Zeit lang ein „Kindermädchen“ für ihren 9-jährigen Sohn Jesse (Woody Norman). Johnny lässt sich auf das Abenteuer ein und hat nun alle Hände voll zu tun, Job und Kinderbetreuung unter einen Hut zu bringen. Gemeinsam reisen die beiden erst nach New York, wo Johnny seine redaktionelle Arbeit weiterführt, dann nach New Orleans. Auf ihrer Reise kommen Onkel und Neffe sich näher, bis am Ende jeder wieder in sein Leben zurückkehrt, aber um einige Erfahrungen und Erkenntnisse reicher.

Stärken

Star des Films ist der kleine Jesse, der Johnny immer wieder mit altklugen Fragen nervt, die ans Eingemachte gehen: „Warum bist du nicht verheiratet?“, „Hast du sie geliebt?“, „Warum habt ihr euch getrennt?“ usw. Auch dieser abrupte Wechsel von ernsthaften Themen zu absurden Rollenspielen ist gut beobachtet. So sind Kinder eben – auch. In einem Moment werden bohrende Fragen gestellt, um dann unvermittelt in die Rolle eines armen Waisenkindes zu schlüpfen oder im Supermarkt Versteck zu spielen. Nichts geht über das Spielerische. Da können sich alle Erwachsenen eine Scheibe von abschneiden, nicht nur Johnny. Mit dessen Schwester Viv hat Mike Mills auch eine starke Frauenfigur entwickelt, die im Grunde eine Dreifachbelastung auf ihren Schultern trägt: Als alleinerziehende Berufstätige kümmert sie sich noch um Jesses psychisch kranken Vater. Auch auf diesem Gebiet kann Johnny dazulernen.

Schwächen

Mit unseren vorgeschalteten Sehorganen nehmen wir unsere Umgebung eigentlich in Farbe wahr. Die Entscheidung, „Come on, Come on“ in schwarzweiß zu drehen, ist eine Stilisierung und eine Entfernung von der Realität. Wozu? Gerade bei diesen teilweise dokumentarisch anmutenden Szenen macht das überhaupt keinen Sinn. Die Rockmusik von „The National“ ist ziemlich genial, im Gegensatz zur gefühlsduseligen Hintergrundmusik bei den Statements der Kinder und Jugendlichen. An diesen Stellen hätte man sich einfach nur ihre Stimmen gewünscht und keine musikalische Ablenkung. Die Rolle des Radiojournalisten ist zu autobiografisch. Zwar nicht ganz so schlimm wie der erfolgreiche Filmregisseur in „Cinema Paradiso“ oder der alternde in „Sentimental Value“, aber nicht gerade ein Beleg für Einfallsreichtum. Der in Rückblenden visualisierte exzessive Streit der Geschwister um die Pflege ihrer dementen Mutter ist übertrieben. So läuft das nicht.

Dramaturgie

Da liegen die Defizite von Mike Mills. Aber auch eine auf Beziehungen fokussierte Tragikomödie sollte nicht frei von Spannung und Gefahren sein. In „Gloria“ etabliert John Cassavetes mit der gleichnamigen Protagonistin und dem 6-jährigen Phil ein „Odd-Couple-Paar“: Zwei Menschen, die sich eigentlich nicht ausstehen können, sind durch äußere Umstände aneinander gekettet. Abgesehen davon, dass beide von der Mafia gejagt werden und es richtig zur Sache geht, sorgt diese Abneigung natürlich für Zündstoff. Ähnliches fehlt in „Come on, Come on“. Auch in „Gloria“ geht der Junge im Großstadtdschungel New Yorks verloren, was aber dann fachgerecht retardiert wird. In „Come on, Come on“ findet sich Jesse schnell wieder ein. Das ist natürlich ein dramaturgischer Fehler, denn das Verschwinden des Jungen hätte auch einen ernsthaften Konflikt mit Viv zur Folge gehabt. Vielleicht hätte Johnny diesen Fauxpas auch erstmal verschwiegen. In jedem Fall hätte es ihn in Bedrängnis gebracht.

FSK Freigabe

Interessante Randnotiz: Während hierzulande der Film frei ab 6 Jahren ist, muss man in den USA ganze 17 Jahre sein, um ihn im Kino sehen zu dürfen. Diese Diskrepanz ist bemerkenswert. Wovor will man die Kinder und Jugendlichen in den Staaten „schützen“? „Come on, Come on“ hat keine Szenen, die Gewalt, Pornografie oder Suchtkonsum zeigen, geschweige denn verharmlosen. Also, was kann es sein? Was wollen die Amis deckeln? Wahrscheinlich ist es bedrohlich, wenn Jugendliche einen freien Diskurs über ihre Ängste und Zukunft führen? Das könnte sie ja auf unliebsame Gedanken bringen?

Fazit

Wenn man die Fähigkeiten von Mike Mills mit denen von Alfred Hitchcock kombinieren könnte – das wär’s. Das würde eine interessante Kreuzung ergeben. So bleibt es bei einer sehenswerten Tragikomödie, die Hoffnung macht. Aber das ist ja schon mal eine ganze Menge.

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Was für ein wundervoller Film zum Jahresabschluss! Über gleich zwei klassische Erzählmotive verfügt die Tragikomödie „Rental Family“ …

Zum einen „Falsche Identität“ (s.a. „Donnie Brasco“ von Mike Newell oder „Sein oder Nichtsein“ von Ernst Lubitsch) und zum zweiten „Das Versprechen“ (s.a. „Das Versprechen“ von Friedrich Dürrenmatt – ein Stoff, der bis heute gleich achtmal verfilmt wurde). Damit ist genügend dramatisches Potenzial angereichert.

Falsche Identität

Dieses klassische Erzählmotiv impliziert Suspense. In „Rental Family“ arbeitet der abgehalfterte amerikanische Schauspieler Phillip Vandarpleog (Brendan Fraser) für eine Tokioer Agentur, um Rollenspiele in verschiedenen Familien auszuüben. So mimt er zum Beispiel einen kanadischen Ehemann, um „seiner“ lesbischen „Ehefrau“ ein Zusammenleben mit ihrer Freundin im Ausland zu ermöglichen. Ein anders Mal schlüpft er in die Rolle eines Journalisten, um einem alternden Schauspieler die Aufmerksamkeit zu schenken, die ihm nach Ansicht seiner Tochter gebührt. In allen Fällen haben wir einen Informationsvorsprung, heißt: Wir sind Geheimnisträger und wissen immer mehr als Teile der anwesenden Protagonisten. Das ist natürlich gut und schafft Spannung.

Das Versprechen

Dieses Motiv birgt einen grundlegenden Konflikt in sich: Der Held gibt ein Versprechen ab, das er alsbald bereut. In „Rental Family“ muss Phillip den plötzlich heimgekehrten Vater der kleinen Mia spielen, um ihre Aufnahmechancen an einer Eliteschule zu steigern. Alleinerziehende Mütter haben es eben schwerer. Es dauert ein bisschen, aber dann freunden Mia und Phillip sich an und er muss einen Schwur ablegen: „Versprich mir, dass du uns nie wieder verlässt!“ Gemäß seiner Rolle entscheidet Phillip sich für die Lüge, zumal er sonst 1000 Stecknadeln schlucken müsste, und schwört, von nun an immer bei Mutter und Tochter zu bleiben. Die Annäherung zwischen beiden ist eines der Highlights dieses Films. Als beide Gefühle füreinander entwickelt haben, kommt dramaturgisch fachgerecht die Trennung. Eine der emotionalsten Szenen des ganzen Films. Der Trennungsschmerz wird dann noch mit der Enttarnung der Lüge getoppt. Mehr geht nicht.

Hauptfigur

Phillip ist ein interessanter Held, der sich anfangs nur widerwillig auf die Rollenspiele einlässt und bei „seiner“ Hochzeit sogar kneifen will: „Ich kann das nicht“. Aber dann berührt ihn die Feier, vor allem als er hinterher in die glücklichen Gesichter des lesbischen Paares schaut. Mit seiner Vaterrolle hängt er dann komplett am Haken. Sogar das ersehnte Rollenangebot für eine Krimiserie lehnt er ab. Damit hat er all unsere Sympathie. Das ist die Ironie in dieser Geschichte: Erst über den Fake findet Phillip wieder ins Leben zurück und kann emotionale Bindungen aufbauen. Eine davon ist die Agenturmitarbeiterin Aiko, der er seinen großen Fehler im Leben gesteht: Phillip hat die Beerdigung seines Vaters verpasst. Das würde er gern noch mal korrigieren. Das wäre sein Auftrag an die „Rental Family“. Fake als Therapie.

Stärken

Der Film hat viele Überraschungen in petto, zum Beispiel als Phillip bei seinem ersten Auftrag als Trauergast einer Beerdigung am Sarg steht, aus dem sich irgendwann der „Tote“ freudestrahlend erhebt. Oder als Agenturchef Shinji nach Hause zu Frau und Sohn kommt, die sich am Ende auch als Schauspieler entpuppen. Die Realität ist also auch nur ein Schein. Das zeigt auch die intime Szene von Phillip und seiner Freundin, die sich als Prostituierte entpuppt. Immer wieder Überraschungen. Gut so.

Visualität

Sehr schön ist auch das Proben seiner Vaterrolle vor dem ersten Treffen mit Mia oder das Beobachten der gegenüberliegenden Wohnungen, die Isolation und Einsamkeit visualisieren (s.a. „Das Fenster zum Hof“ von Alfred Hitchcock). Eine Glanznummer ist auch das Vorstellungsgespräch in der Schule. Phillip wird von „Mama“ gebrieft, keine Emotionalität zu zeigen. Ausgerechnet der Scheinvater fällt dann aus seiner Rolle und hält ein ergreifendes Plädoyer für „seine Tochter“. Letztlich erfolgreich. Eine gute Entscheidung auch, die japanischen Dialoge nicht zu synchronisieren, sondern mit Untertiteln zu versehen. Die brillante Filmmusik geht immer auf das Geschehen ein und intensiviert die Wirkung.

Schwächen

Teilweise sind die Rollenspiele nicht zu Ende gedacht. Was passiert denn mit Phillips „Ehefrau“ nach der Heirat? Irgendwann werden die Eltern doch nachfragen, womöglich gar zu Besuch kommen? Und was dann? Gleich die Scheidung verkünden? Auch das könnte auffallen. Lügen haben bekanntermaßen kurze Beine. Die Entschuldigungsnummer der Agentur, demnach Mitarbeiterin Aiko die falsche Geliebte mimt und sich schon mal eine Ohrfeige einhandelt, ist schon ein bisschen krank. Das ist die andere Seite des Geschäfts. Ebenso die Fake-Familie des Agenturchefs. Diese Überraschung ist ein bisschen konstruiert. Immerhin hat die „Rental Family“ am Ende dazugelernt: Die Entschuldigungsnummer wird aus dem Portfolio gestrichen. Ein bisschen merkwürdig ist am Schluss das Aufsuchen sämtlicher Agenturmitarbeiter im Hause des alten Schauspielers. Aber der liegt doch nach seinem Sturz im Krankenhaus? Was wollen die da? Um Phillip aus der Patsche zu helfen, bedarf es doch nur einer Zeugenaussage des Verletzten, die ja dann auch erfolgt.

Fazit

„Rental Family“ ist witzig und schwarzhumorig, klug und tiefsinnig. Am Ende fragt die kleine Mia, warum die Erwachsenen immer lügen? Philipp versucht, ihr den gelegentlichen Vorteil von Notlügen zu erklären. Mark Twain hat es so definiert: „Die Wahrheit ist das Kostbarste, was wir haben. Gehen wir sparsam damit um!“ Verschwenderisch geht der Film mit den positiven Gefühlen um, die er erzeugt. Das ist jetzt kein Fake.

„Cinema Paradiso“ von Giuseppe Tornatore ist eine Hymne an das Kino und spielt im (fiktiven) sizilianischen Dorf Giancaldo.

Über einen Zeitraum von 40 Jahren, von der Nachkriegszeit bis in die frühen 80er des letzten Jahrhunderts, werden Blütezeit und Niedergang des örtlichen Kinos beschrieben. Der Film lebt von seinen Szenen, die sich beim Betrieb und den Vorführungen im Saal abspielen. Gerade die dokumentarisch anmutenden Beobachtungen der Zuschauer vermitteln eine unglaubliche Lebensfreude. So war es einmal im Kino und so wird es nie wieder sein. Das erinnert an die turbulenten Szenen im Theatersaal in „Kinder des Olymp“. Das pralle Leben. Leider gleitet diese Reminiszenz an die Blütezeit eines Kinos immer wieder ins Nostalgische, ins Kitschige und Sentimentale ab.

Figuren

Hauptdarsteller in „Cinema Paradiso“ sind ein Kino und seine Zuschauer, sein Filmvorführer Alfredo (Philippe Noiret) sowie der kleine Salvatore, der sich partout nicht aus dem Vorführraum verscheuchen lassen will. Alfredo gibt sich schließlich geschlagen und nimmt den Kleinen unter seine Fittiche. Eigentlich ist er ein Ersatzvater, denn Salvatores leiblicher Vater ist nicht aus dem Krieg zurückgekehrt. Diese Kooperation sichert auch das Überleben des Kinos, nachdem Alfredo bei einem Brand sein Augenlicht verloren hat. Nun liegt es an Salvatore, Licht ins Dunkel zu bringen. Die Freundschaft der beiden währt über 20 Jahre, bis Salvatore der Heimat den Rücken kehrt.

Stärken

„Cinema Paradiso“ hat ein sehr schönes Opening. Da muss Alfredo dem Pfarrer des Dorfes den anstehenden Film vorab zur Prüfung präsentieren: Die kirchliche Filmbewertungsstelle. Der Pfarrer identifiziert alle anzüglichen Szenen, die Alfredo dann entfernen muss. So gelangt er nach und nach in den Besitz einer umfangreichen filmischen Sammlung von Kußszenen. Überhaupt ist der Film immer dann am stärksten, wenn er frech ist. Zum Beispiel, wenn jugendliche Zuschauer in den 60er Jahren bei den ersten erotischen Filmen im Dunkel des Kinosaals masturbieren und von den Lehrkräften eins auf die Finger bekommen. Die Highlights sind nicht die vielen Filmausschnitte selber, sondern die Reaktionen darauf. Film ist eben „nicht Action, sondern Reaction.“ (Dudley Nichols, US-amerikanischer Drehbuchautor)

Schwächen

Leider ist die Vater-Sohn-Geschichte schwach. Zum einen erfahren wir viel zu wenig über Alfredo, zum Beispiel wieso er keine Frau hat, keine Kinder? Wie sind ansonsten seine Lebensumstände? Nichts. Sehr merkwürdig ist auch das Ende ihrer Beziehung, als Alfredo den mittlerweile erwachsenen Salvatore vehement auffordert, wegzugehen und nie wiederzukommen: „Komm nicht zurück!“ Warum? Um selbständig zu werden, muss man nicht mit Freunden und Verwandten brechen. Dann hält Salvatore sich, vor allem zulasten seiner Mutter, auch noch an diese ziemlich kranke Forderung. Nach dem Verlust des Ehemannes also auch noch der des Sohnes. Welchen erzählerischen Sinn ergibt dieser Bruch? Dann gibt es im Film einige Übertreibungen bzw. inszenatorische Schwächen. So schnarcht Salvatore zum Beispiel beim Zelebrieren einer Messe überlaut im Stehen (!). Ein anderes Mal beklagt seine Mutter sich übertrieben künstlich über eine Missetat ihres Jungen.

Liebesgeschichte

Ähnlich schwach ist die Liebesgeschichte. Völlig unklar ist, wieso Salvatore sich in Elena verliebt? Nur weil sie schön ist? Nur weil er tagelang vor ihrem Fenster wartet? Welche Grundlage haben ihre Gefühle füreinander? Liebenswerte Charaktereigenschaften werden Elena eigentlich nicht zugebilligt. So bleibt diese Episode oberflächlich. Ihr Scheitern erzeugt keine Gefühle. Immerhin ist Salvatore dann in Rom Filmregisseur geworden, zwar – nach Aussagen seiner Mutter – beziehungsunfähig aber immerhin erfolgreich. Das ist doch was, vor allem unfreiwillig komisch.

Lösungen

Entweder Konzentration auf die Vater-Sohn-Geschichte oder auf die Liebesgeschichte, also auf ein klassisches Erzählmotiv. Für die erste Variante ist zum Beispiel Vittorio de Sicas „Fahrraddiebe“ ein Vorbild, für die zweite „Begegnung“ von David Lean oder „Die Brücken am Fluss“ von Clint Eastwood. Alle drei Filme vereint eine extreme Konzentration auf die jeweils zwei Protagonisten. Es gibt keinen Schnickschnack, keine Ablenkungsmanöver. Dann bei „Cinema Paradiso“ der Austausch aller rührseligen, kitschigen und künstlichen Szenen durch originelle und freche, die ja teilweise vorhanden sind. Nach der schmalzigen Filmmusik müsste man nur noch die Rolle des klischeehaften „erfolgreichen Filmregisseurs“ ersetzen und man hätte die Chance auf einen „Film Paradiso“.

Fazit

Der Film hat ein schönes Ende, was dann etwas versöhnt. Salvatore hat alle von Alfredo entfernten und gesammelten Kußszenen zusammen geschnitten. Diese Collage ist ein Ode ans Kino, eine Hommage an den Ort des Träumens, ans „Cinema Paradiso“.

„Die Farbe Lila“ gehört zu den schwächeren Filmen von Steven Spielberg.

Das liegt zum einen an der Romanvorlage der Pulitzer-Preisträgerin Alice Walker, die nicht unbedingt für eine Verfilmung geeignet ist (s. Ausführungen zur Problematik von Literaturverfilmungen). Schon die Genreeinstufung gestaltet sich schwierig. Ein Drama – wie Wikipedia behauptet – ist es auf keinen Fall, am ehesten noch eine Tragikomödie, aber auch nicht wirklich. Erzählt wird die Geschichte der Afroamerikanerin Celie, die vor gut 100 Jahren in den Südstaaten der USA spielt. Vom Vater missbraucht, wird Celie bei der ersten Gelegenheit mit dem schwarzen Farmer Albert Johnson verheiratet. Erst die Freundschaft mit der Jazzsängerin Shug Avery ermöglicht ihr schließlich einen Ausweg aus dem Ehe-Gefängnis.

Stärken

Sehr schön ist die Erzählerstimme der Heldin, die Einblicke in ihre Befindlichkeit gewähren. Dann gibt es einige Szenen mit Eigenwert, in denen Spielbergs Talent zum Vorschein kommt. Zum Beispiel, wenn Celie ihren Mann mit einem Messer auf der Veranda rasieren soll. Das wird genüsslich retardiert, denn man weiß, was in der Heldin vorgeht: Ein Schnitt durch seine Kehle und alles ist vorbei. Dann gibt es ein paar witzige Szenen, zum Beispiel wenn Alberts Sohn Harpo beim Dachdecken öfter durchs Gebälk kracht und auf dem Hosenboden landet. Sehr schön sind auch die konsternierten Gesichter von Albert und Celie, als Shug mit ihrem neuen Ehemann Grady zu Besuch kommt. Auf den hätten beide gern verzichten können. Um so überraschender ist die anschließende alkoholselige Verbrüderung der beiden Männer. Auch Gradys Abschiedsworte („War nett bei euch“) sind angesichts von Celies dramatischem Abgang witzig.

Figuren

Insgesamt weckt Celie zu wenig Emotionen. Sie wirkt zwar traumatisiert durch den Missbrauch und der Trennung von den eigenen Kindern sowie der geliebten Schwester. Aber insgesamt agiert sie zu passiv. Ein einziges Mal rebelliert sie gegen die Repressionen ihres Mannes. Auch die Gefahrenmomente, außer den gelegentlichen Schlägen, halten sich in Grenzen. Eine Flucht zieht Celie leider nicht in Erwägung. Der Klu-Klux-Klan ist ebenfalls kein Thema. Antagonist Albert wird seiner Rolle als Bösewicht nicht gerecht. Er ist eine Mischung aus Tollpatsch und gewalttätigem Nichtsnutz. Das Eheleben als Hölle findet dramaturgisch gesehen viel zu selten statt. Man fragt sich auch, wovon die Familie ihren relativen Wohlstand finanziert? Ein einziges Mal sieht man Albert im Garten schuften. Ein finanzieller Druck ist nicht erkennbar. Hier wäre eine kleine Erklärung ganz vorteilhaft gewesen. 

Künstlichkeit

Mit seiner unglaublich künstlichen Inszenierung erinnert „Die Farbe Lila“ an den späteren „The Help“, ebenfalls eine Literaturverfilmung. Alles so schick und fotogen hier, angefangen von der Inneneinrichtung der kleinen Farm, der idyllischen Umgebung mit den lilafarbenen Blumenwiesen bis hin zu den güldenen Sonnenuntergängen. Im Winter ist der Boden mit Schnee bedeckt, nicht aber die Bäume und frieren tut auch keiner (seit wann schneit es eigentlich in den Südstaaten?). Beide Filme haben auch gemeinsam, dass sie die Chance auf eine ernstzunehmende Aufarbeitung dunkler US-amerikanischer Geschichte ignorieren. Man sehnt sich nach den elenden Behausungen und rassistischen Gewalttaten von „Mississippi Burning“. Aber der stammt ja auch einem Briten (Alan Parker), nicht von einem US-Amerikaner. Vielleicht hat man als Außenstehender einen klareren Blick auf nationale gesellschaftliche Missstände?

Finale

Spielberg geniert sich nicht, eines der verlogensten und schmalzigsten Enden der Filmgeschichte zu kreieren. Da erbt Celie nach ihrem Weggang von Albert ein schnuckeliges Häuschen und Shug versöhnt sich singend mit ihrem bis dato unnachgiebigen Vater, dem Prediger der Gemeinde. Albert ist wie von Zauberhand geläutert und investiert sein Geld (woher er das auch immer hat?) für die Heimkehr von Celies Kindern, die ihrer „Mama“ am Ende um den Hals fallen. Da kullern schon die Tränen, aber nicht die der Rührung, sondern der unfreiwilligen Komik. Albert darf mit seinem Pferd am Ende auch noch mal im Hintergrund herumtraben. Friede, Freude, Eierkuchen. 

Fazit

„Die Farbe Lila“ ist die leidlich spannende, teilweise interessante Lebensgeschichte der Afroamerikanerin Celie, die am Ende zum schmalzigen Rührstück verkommt.

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